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Cinematografía
                                     

★ Cinematografía

La cinematografía se refiere la creación de una secuencia de imágenes que simulan movimiento. Usted puede incluir su uso como una película o como una secuencia de imágenes digitales, que generalmente producen con una cámara de vídeo. La cinematografía es muy relacionadas con la fotografía. Técnica tanto las dificultades como las numerosas posibilidades creativas surgen cuando la cámara y los elementos de la escena están en movimiento.

La cinematografía se puede decir que es una forma de arte du spectacle, comúnmente designado como "el séptimo arte", según la expresión usada por el crítico de cine Ricciotto Canudo en la década de 1920. en francés Georges Sadoul, "Histoire du cinéma mondial des origines à nos jours", Ernest Flammarion, París, 1949.

                                     

1. La historia. (The story)

La fotografía siempre ha sido una forma de arte que es único para las películas de todo tipo de género. Aunque la exposición de las imágenes en elementos sensibles la luz que se remonta la época del siglo XX, las películas estaban pidiendo una nueva forma de fotografía y nuevas técnicas estéticas. "Es la traducción de una percepción en imágenes en movimiento con o sin sonido, quizás distorsionada en la mayor parte de la producción cinematográfica, pero con un sentido propio y de querer dar una visión más amplia, simple o compleja de la realidad, la historia, el concepto de futuro y la ficción." González, Víctor Raúl

En los niños de la película, el cineasta ha ejercido el papel de director y la persona que sostiene la cámara. El tiempo en el que el arte y la tecnología han evolucionado, surgió una separación entre el director y el operador de la cámara. Con el advenimiento de la iluminación artificial y más rápido de la película más sensible la luz, y de los avances tecnológicos como las películas en color y panoramas, resultó que la producción de las películas, especialmente en algunos aspectos técnicos, requiere personal cada vez más especializado. La cinematografía fue clave durante la era del cine mudo –no hubo ningún sonido aparte de la música de fondo, no había diálogo y las películas estaban basadas en la iluminación, la actuación y la interpretación.

En 1919, en Hollywood, se creó la nueva película de capital del mundo, uno de los primeros que todavía hay sociedades de comercio: la Sociedad Americana de directores de fotografía de la ASC, que fue la organización de la contribución de los directores de fotografía, el arte y la ciencia de la creación de las películas. En otros países también fueron establecidas para este tipo de asociaciones comerciales. El ASC define la cinematografía como "Un proceso creativo y de realización que culmina en la autoría de una obra de arte original en lugar de una simple grabación de un evento físico".

La cinematografía no es una sub-categoría de fotografía, pero es una habilidad que el director de fotografía utiliza además de otras técnicas, físicas, organizativas, políticas, interpretativa y de manipulación de la imagen a efecto un proceso coherente.

                                     

2.1. Aspectos. Sensor de imagen y de la cinematografía. (Image Sensor and cinematography)

La cinematografía puede empezar con los papeles de la película o un sensor digital de la imagen.

Los avances en la producción de películas y la estructura de grano proporcionan una amplia gama de películas disponibles.

La selección de una película fue una de las primeras decisiones adoptadas en la preparación de la película típica del siglo xx.

Además de la selección de la anchura de la película de 8 mm ventilador, 16 mm, semi-profesional de 35 mm y 65 mm fotografía épica que rara vez se usa, excepto puntos de reunión para eventos especiales - el director de fotografía tiene una selección de títulos en la inversión cuando se reveló crea una imagen positiva y formatos negativo junto con una amplia gama de velocidades de la película de la sensibilidad la luz ISO 50 lento, menos sensibilidad la luz hasta 800 muy rápido, extremadamente sensibles la luz y diferentes respuestas la baja saturación de color, de alta saturación, el contraste y los niveles que varían entre el negro puro no hay exposición y el blanco puro completa de la sobreexposición.

Avances y ajustes a casi todas las medidas de la película creada, la" super" formatos, donde el área de la película se utiliza para capturar un fotograma de una imagen está ampliada, aunque la física de la medición de la película sigue siendo la misma. Super 8 mm, super 16 mm y super 35 mm utilizan más de la superficie total de la película la imagen que de su no-super contrapartes" regular". la mayor dimensión de la película, mayor será la resolución de la claridad y la calidad técnica de la imagen.

Las técnicas empleadas por el laboratorio de películas para proceso de la película fotográfica puede ofrecer también una considerable variación en la imagen producida. El control de la temperatura y la variación de la duración en la que el cine está empapado en el desarrollo de productos químicos, y omitiendo ciertos procesos químicos, o parcialmente saltarse todos ellos. Directores de fotografía puede alcanzar diferentes puntos de vista de una sola película en el laboratorio. Algunas técnicas que se pueden utilizar son el revelado, bleach bypass y la cruz de procesamiento.

El trabajo del VIGÉSIMO primer siglo utilizarse en su totalidad de la cinematografía digital y no tiene cámaras de película, pero las cámaras se puede ajustar en diferentes maneras que van más allá de las habilidades de una película fotográfica en particular.

Estos pueden proporcionar diferentes grados de sensibilidad al color, el contraste de la imagen, sensibilidad la luz, etc., Una cámara puede lograr toda la variedad de puntos de vista de diferentes emulsiones, aunque es muy discutido en cuanto a qué método de captura de la imagen es el mejor método. La configuración de la imagen digital ISO, contraste, etc son ejecutados por la estimación de los mismos ajustes que tendría lugar si la película estaban en uso, y así son estos vulnerable la percepción de que el diseño del sensor de las cámaras de varias películas fotográficas y la configuración de los parámetros de la imagen.

                                     

2.2. Aspectos. Filtros. (Filters)

Filtros, tales como los filtros o la difusión de filtros, efectos de color, también son ampliamente utilizados para mejorar los efectos del estado de ánimo o de los efectos dramáticos. La mayoría de los filtros fotográficos están hechos de dos piezas de vidrio óptico pegan junto con un formulario de imagen o material de la manipulación de la luz entre el vidrio. En el caso de los filtros de color, a menudo en el medio hay un color translúcido presionado entre dos planos de vidrio óptico. Los filtros de Color de trabajo mediante el bloqueo de ciertas longitudes de onda del color de la luz llega la película. Con película de color esto funciona de manera muy intuitiva, así como un filtro azul reduce el paso para el rojo, el naranja y el amarillo de la luz y crear un tono azul en la película. Con la fotografía en blanco y negro, filtros de color se utilizan muy poco, por ejemplo un filtro de color amarillo, lo que reduce el azul longitudes de onda de la luz, puede ser utilizado para oscurecer un cielo de verano por la eliminación de la luz azul de golpear la película, así en gran medida la subexponiendo el cielo todo azul, a pesar de que no es un tono de piel más humano. Algunos cineastas, como Christopher Doyle, son bien conocidos por su uso innovador de los filtros. Los filtros pueden ser utilizados en la parte frontal de la lente, o en algunos casos, detrás de la lente para diferentes efectos.



                                     

2.3. Aspectos. Lente. (Lens)

Con la lente puede ser conectado la cámara para dar una cierta mirada, o sentir el efecto de enfoque, color, etc

Como el ojo humano, la cámara crea una perspectiva espacial y las relaciones con el resto del mundo. Sin embargo, a diferencia de un ojo, una fotografía en la que puede seleccionar diferentes lentes para diferentes propósitos. La variación en la longitud focal es una de las principales ventajas. La longitud focal de la lente determina el ángulo de visión y, por lo tanto, el campo de visión. Los cineastas pueden elegir entre una amplia gama de lentes angulares," normal", y lentes de enfoque, así como los objetivos macro y otros sistemas especiales de lentes de efectos tales como la lente baroscopio. Los objetivos de gran angular tienen longitudes focales cortas y distancias espaciales que se hacen más evidentes. Una persona en la distancia parece mucho más pequeño, mientras que alguien cercano es mayor. Por otro lado, el foco de la lente de largo reducir tales exageraciones, que representa a los objetos distantes como aparentemente muy juntos y la perspectiva de aplanamiento.

Las diferencias entre la representación de la perspectiva no es debido la longitud focal de por sí, sino por la distancia entre el sujeto y la cámara. Por lo tanto, el uso de diferentes longitudes focales en combinación con diferente distancia de la cámara al sujeto se crea esta representación diferente. Al cambiar la longitud focal sólo mientras se mantiene la posición de la cámara en sí no afecta perspectiva, sólo el ángulo de visión. Una lente de zoom permite a un operador de cámara para cambiar su longitud focal dentro de un plano o rápidamente entre las configuraciones para las tomas. Como principales objetivos, proporciona una mayor calidad óptica y son" más rápido," las grandes aberturas de diafragma, que puede ser utilizado en menos de luz que los objetivos zoom, que a menudo son utilizados en la industria del cine profesional en las lentes de zoom. Ciertas escenas o incluso los tipos de cine, sin embargo, pueden requerir el uso de una velocidad de zoom o la facilidad de uso, así como las inyecciones que implican un movimiento zoom.

Como en otros de la fotografía, el control de la imagen expuesta se realiza en el objetivo con el control de la apertura del diafragma. De la selección, el director de fotografía de las necesidades que todos los objetivos a ser grabado con T-Stop, no f-stop, por lo que la pérdida de luz es debido a que, finalmente, el vidrio no afecta el control de la exposición al tiempo de la configuración de usar el medidor como de costumbre. La elección de la apertura también afecta la calidad de la imagen de las aberraciones y la profundidad de campo ver más abajo.

                                     

2.4. Aspectos. La profundidad de campo y enfoque. (The depth of field and focus)

Un ejemplo de un tiro de aproximación de profundidad en la película Ciudadano Kane 1941: todo, incluso el sombrero en el primer plano y el niño, el joven Charles Foster Kane en la distancia están en un enfoque nítido. En Ciudadano Kane de los directores de fotografía Gregg Toland y Orson Welles uso estricto de las aberturas para crear profundidad de campo muy grande en las escenas, a menudo haciendo que cada detalle de primer plano y el fondo se mueven juntos en un enfoque nítido. Esta práctica es conocida como la profundidad de campo. La profundidad de campo se convirtió en un dispositivo cinematográfico popular a partir de la década de 1940, en Hollywood.

La longitud focal y la abertura del diafragma afecta la profundidad de campo de una escena, es decir, la medida en que el fondo, medio-bajo, y el primer plano se representará en la" adecuado enfoque de" un solo plano exacto de la imagen está en foco exactamente en la película o vídeo de aterrizaje. La profundidad de campo no debe ser confundido con la profundidad de foco es determinado por el tamaño de la abertura y la longitud focal. Una gran cantidad de profundidad o la profundidad de campo es generado con una abertura muy pequeña de la iris, y se centra en un punto en la distancia, mientras que una menor profundidad de campo se puede lograr con una gran apertura del iris y centrándose más cerca de la lente. La profundidad de campo también se rige por el tamaño del formato. Si se considera el campo de visión y el ángulo de visión, la más pequeña de la imagen, la longitud focal debe ser más corta, para mantener el mismo campo de visión. Luego, la más pequeña de la imagen, la profundidad de campo, usted obtendrá más, para el mismo campo de visión. Por lo tanto, tiene menos de 70 mm de profundidad de campo de 35 mm en un determinado campo de vista, de más de 16 mm a 35 mm y cámaras de vídeo, incluso más de profundidad de campo de 16mm. Como camarógrafos de tratar de imitar el look de la película de 35mm con cámaras digitales, este es un tema de la frustración, la excesiva profundidad de campo con cámaras digitales y el uso de dispositivos ópticos adicionales para reducir la profundidad de campo.

Hoy en día, la tendencia es a un mayor enfoque superficial. Para cambiar el plano de enfoque de un objeto o de un personaje a otro dentro de un plano se conoce comúnmente como un foco de rack.

                                     

2.5. Aspectos. La relación de aspecto y el encuadre. (The aspect ratio and the frame)

La relación de aspecto de una imagen es la proporción entre su ancho y su altura. Esto se puede expresar como un cociente de 2 números enteros, tales como 4 / 3, o en un formato decimal, tal como 1.33.

Diferentes proporciones son diferentes efectos estéticos. Normas para la relación de aspecto han variado significativamente a lo largo del tiempo.

Durante la época del cine mudo, las proporciones eran muy variadas, que van desde la plaza 1.1, todo el camino hasta el extremo de pantalla ancha 4.01 Polyvision. Sin embargo, desde la década de 1910, las imágenes en movimiento en movimiento en general, se establecieron en la proporción de 4:3 1.33. La introducción del sonido en la película brevemente estrechado la relación de aspecto, a fin de dejar espacio para una banda sonora. En 1932 se introdujo un nuevo parámetro, con la relación de 1.37, con el propósito de ampliar el marco.

Durante años, los directores de fotografía tradicional se limita al uso de la razón en la Academia, pero en la década de 1950, gracias la popularidad de Cinerama, las tasas de pantalla ancha se introdujo en un esfuerzo para atraer al público de nuevo la sala de cine / teatro, fuera de su casa y lejos de sus televisores. Estas nuevas panorámicas de proporcionar a los productores con un marco mucho más grande componer sus imágenes.

Varios sistemas fotográficos fueron inventados y utilizados en los años 50 para crear películas, pero uno domina hoy en día: el proceso de anamórfico, que aprieta óptico de la imagen a fotografiar a dos veces el tamaño de la zona horizontal y el mismo tamaño vertical como las lentes" esférica" estándar.

El primer uso común del formato anamórfico fue CinemaScope, que utiliza una proporción de 2.35, a pesar de que fue originalmente 2.55. CinemaScope fue utilizado desde 1953 a 1967, pero debido a defectos técnicos en el diseño y su apropiación por parte de Fox, compañías de terceros, dirigido por las mejoras técnicas de Panavision en los años 50, que ahora dominan el mercado de lentes anamórficas.

Los cambios en las proyecciones estándar SMPTE alterado las proporciones proyectadas de 2.35 a 2.39 en 1970, aunque esto no alterar nada, excepto el estándar anamórfico de la fotografía, todos los cambios en el respeto a las proporciones de la fotografía anamórfico de 35 mm son específicos a una cámara o proyector, y no el sistema óptico.

Después de la guerra de las vistas panorámicas" de los años 50, la industria del cine establecido 1.85 como un estándar para las proyecciones en los Estados unidos y el Reino Unido. Esta es una versión corta de 1.37. Europa y Asia optado por 1.66 al principio, aunque el 1.85 ha penetrado ampliamente en estos mercados las últimas décadas. Ciertas películas" epic" o de aventura utilizado el anamórfico 2.39.

En la década de los 90, con la llegada de vídeo en alta definición, televisión de ingenieros creó la proporción de 1.78 16:9 como un compromiso matemática entre el estándar del cine de 1.85 y de la televisión 1.33, como no era práctico para producir un tubo de televisión CTR tradicional, con una anchura de 1.85. Hasta ese momento, no había creado nada en la 1.78. Hoy en día, este es un estándar para videos de alta definición y para la televisión panorámica. Algunas películas en el cine se registran en la actualidad el uso de cámaras HDTV.



                                     

2.6. Aspectos. Iluminación. (Lighting)

La iluminación es necesaria para crear la exposición de una imagen en un fotograma de una película o en una tarjeta digital CCD, etc el arte de la iluminación en la cinematografía, se aparta de la exposición básica, sin embargo, en la esencia de la narración. La iluminación contribuye considerablemente la respuesta emocional que el público tiene para ver imágenes en movimiento.

Como dijo una vez el director Sahin Michael Derun: la diferencia entre el porno y el erotismo es la iluminación sólo destacando la importancia de la iluminación en la cinematografía.

                                     

2.7. Aspectos. Los movimientos de cámara. (The camera movements)

La cinematografía no sólo puede representar a un sujeto en movimiento, pero puede utilizar una cámara que representa el punto de vista o perspectiva de la audiencia, que se trasladó durante el rodaje. El movimiento juega un papel considerable en el lenguaje emocional de imágenes de la película y la reacción emocional de la audiencia la acción. Las técnicas que se extienden desde los movimientos más básicos de la" panorámica" el movimiento horizontal de un punto de vista desde una posición fija, como si usted gira su cabeza de lado a lado, y" inclinación" el movimiento vertical de un punto de vista desde una posición fija, tales como la inclinación de la cabeza hacia atrás para mirar hacia el cielo y luego hacia el suelo hasta la" dollying" colocar la cámara sobre una plataforma en movimiento para acercarse o alejarse del objeto," seguimiento de" colocar la cámara sobre una plataforma en movimiento para mover la izquierda y la derecha, cranning moviendo la cámara en posición vertical, siendo capaces de levantarlo del suelo, así como el swing de un lado a otro desde una posición fija, y combinaciones de los anteriores.

Las cámaras han llegado a montar en casi cualquier medio de transporte que se pueda imaginar, la mayoría de las cámaras también pueden ser de mano, significa que usted está en las manos de la cámara, que se mueve de una posición a otra durante el rodaje de la acción. La plataforma estabilizador se empezó a utilizar a finales de los años 70, durante la invención de Garrett Brown, conocido como" Steadicam". El Steadicam" es un arnés y un estabilizador de las armas que se conecta la cámara, el apoyo la cámara, mientras que el aislamiento de los movimientos de quien la usa. Después de que la patente de" Steadicam" vencen al principio de la década de los 90, muchas otras empresas han comenzado a fabricar su concepto de la propia estabilizador de cámaras.

                                     

3. Los efectos especiales. (The special effects)

El primero de los efectos especiales en el cine fueron creados mientras que la película estaba siendo filmado. Estos comenzaron a ser conocidos como los efectos" en la cámara". Más tarde, desarrolló los efectos ópticos y digitales para los editores y artistas de efectos visuales podía controlar el proceso mediante la manipulación de la película en post-producción. Usted puede ver muchos ejemplos de efectos especiales" en la cámara" en la obra de Georges Méliès.

                                     

3.1. Los efectos especiales. Velocidad de fotogramas. (Frame rate)

El movimiento de las imágenes se representan la audiencia a una velocidad constante. En la película, es de 24 fotogramas por segundo, los FPS en NTSC de televisión estadounidenses es de 30 fotogramas por segundo, 29.97 para ser exactos, en el PAL Europeo de la tv es de 25 cuadros por segundo. Esta tasa de representación no variar.

Sin embargo, mediante la variación de la velocidad la que se captura la imagen, varios efectos que se pueden crear a sabiendas de que la imagen grabada más rapidez o lentitud con que se presentó a una velocidad constante. Por ejemplo, la fotografía" time-lapse es creado por la exposición de una imagen a un ritmo muy lento. Si una película pone una cámara para exponer un fotograma cada minuto durante cuatro horas, y luego de que el material se proyecta a 24 fotogramas por segundo, un evento de 4 horas tardará 10 segundos en procesarse, y cualquier persona puede presentar los eventos de un día entero de 24 horas en un solo minuto.

Por el contrario, si una imagen es capturada a velocidades mayores que las que estará expuesto, el efecto es disminuir la velocidad de las imágenes en cámara lenta. Si un director de fotografía, la captura de una persona por medio de buceo en una piscina a una velocidad de 96 fotogramas por segundo y la imagen está expuesta a 24 fotogramas por segundo, la representación va a durar 4 veces más que la acción real. La captura de la extrema lentitud de movimiento, captura de muchos miles de fotogramas por segundo puede presentar cosas que son invisibles para el ojo humano, como balas de camisa en una guerra, y las ondas de choque que viaja a través del aire, una película técnica potencialmente poderosa.

Con imágenes en movimiento, la manipulación del tiempo y el espacio es un factor que contribuye considerablemente a las herramientas para contar historias. La edición de cine juega un papel mucho más fuerte en esta manipulación, pero la selección de la velocidad de fotogramas en la fotografía original de la acción es también un factor que contribuye en lo que respecta la alteración de la época. Por ejemplo, los tiempos Modernos de Charles Chaplin fue filmado en un" velocidad silenciosa 18 fps, pero proyectada a" velocidad del sonido", de 24 fps, que hace las travesuras parecen más frenético.

El" movimiento Lento", o" Velocidad en rampa" es un proceso por el cual la tasa de captura en el marco de los cambios con el tiempo. Por ejemplo, si durante el proceso de 10 segundos de la captura, la captura se ajusta la tarifa de 60 fotogramas por segundo a 24 fotogramas por segundo, cuando se ejecuta en el estándar de velocidad de 24 fotogramas por segundo, se logra mediante una manipulación del tiempo excepcional. Por ejemplo, alguien abre una puerta y salir la calle, al parecer, comenzó con un lento movimiento de la cámara, pero unos segundos más tarde, y en el mismo plano que la persona parece estar caminando" en tiempo real de la velocidad normal. De lo contrario, se utiliza la Velocidad de rampa" en La Matrix cuando Neo vuelve a entrar en la Matriz para la primera vez para ver el Oráculo. Tal como sale de la tienda, la cámara se acerca a Neo a velocidad normal, sino más cerca de la cara de Neo el tiempo parece que se vaya desacelerando, sombra de la manipulación del tiempo que se ve en la película Matrix.



                                     

4. El personal de la. (The staff of the)

En orden jerárquico descendente, este es el personal que está involucrado:

  • El Director de fotografía, también llamado cinematógrafo.
  • Operador de cámara también llamado operador de cámara.
  • Primer asistente de cámara también conocido como foquista.
  • Segundo asistente de cámara, también conocido como un badajo.

En la industria del cine, el director de fotografía es el responsable de los aspectos técnicos de la imagen, sino que trabaja estrechamente con el director para asegurarse de que la estética es compatible con la visión de la historia contada por el director. Los directores de fotografía son los responsables de la cámara, el operador y el equipo de técnicos de iluminación en el set, y por esta razón son a menudo llamados los directores de fotografía o de la DFs. Según la tradición inglesa, si el DF maneja la cámara, será llamado cine. En pequeñas producciones, en general, todas aquellas funciones cumplidas por una sola persona. El progresíon carrera típicamente involucra a subir la escalera en el segundo lugar, para finalmente controlar la cámara.

Directores de fotografía de tomar muchas decisiones creativas y de actuar en el curso de su trabajo, desde la pre-producción a través de la post-producción, lo cual puede afectar el aspecto general de la película. Muchas de estas decisiones son similares a lo que un fotógrafo necesita para tener en cuenta la hora de ir a hacer una foto: el director de fotografía de los controles de la realización de la película a partir de una gama de los productos disponibles con diferentes sensibilidades la luz y el color, la selección de las cámaras, los focos, la apertura, la exposición y el enfoque. Sin embargo, la cinematografía tiene un aspecto temporal para ver la persistencia de la visión, no como el de la foto, que es sólo una imagen todavía. También es más voluminosos y agotador para trabajar con cámaras de video, y supone tomar decisiones más complejas. Un cine que normalmente se necesita para trabajar en un equipo más que un fotógrafo, que con frecuencia puede ser una sola persona. Como resultado, el trabajo del director de fotografía también incluye la organización y la logística y gestión de personal.

                                     

5. La evolución de la tecnología: nuevas definiciones. (The evolution of technology: new definitions)

Tradicionalmente el término" de la cinematografía" se refiere a trabajar con un tipo de película hecha con pintura a base de agua, pero ahora es un sinónimo de videografía digital y video debido la popularidad de la cinematografía digital.

El Proceso de imagen moderna, también es posible modificar las imágenes de una manera radical. Esto permitió a nuevas disciplinas para tomar ventaja de algunas de las oportunidades que una vez fueron del dominio exclusivo de la cineasta.

                                     

6. Festivales de cine. (Film festivals)

Un festival de cine consiste en la proyección de cortometrajes o largometrajes en un lugar determinado, por un tiempo limitado.

Las proyecciones pueden ser abiertos al público o ser reservados para los críticos, periodistas o profesionales.

El festival de cine en muchas oportunidades es el primer encuentro entre el trabajo, sus creadores y el público. Es un momento clave en la vida de la película, ya que puede ser muy cuestionado o consagrado, si obtiene un premio internacional, como por ejemplo un León de Oro en el Festival de cine de Venecia, el Oso de Oro en el Festival de cine de Berlín o la Palma de Oro en el Festival de cine de Cannes.

Por otro lado, los festivales que permiten el descubrimiento de nuevos directores y sirven para la promoción de las películas.

                                     
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  • El Instituto Valenciano de Cinematografía Ricardo Muñoz Suay, fue creado por la ley 5 1998, de 18 de junio y en su estructura integró a la Filmoteca de
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  • secreta de las palabras o Relatos salvajes y con el Premio Nacional de Cinematografía 2018. Comenzó en el departamento de producción como secretaria con la
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  • Universidad de Valladolid, siguió estudios en la Escuela Oficial de Cinematografía en la especialidad de Guion y Dirección. Ha tenido una importante presencia

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