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Historia de la música
                                     

★ Historia de la música

La historia de la música es el estudio de las diferentes tradiciones en la música y el orden en el mundo.

Dado que en cada cultura conocida era alguna forma de manifestación musical, la historia de la música abarca a todas las sociedades y épocas. No se limita, como es común en ciertos ámbitos académicos, hacia el Oeste, sin embargo, a menudo se utiliza la expresión "historia de la música" para referirse exclusivamente la historia de la música europea y su evolución en el mundo occidental.

La música de una determinada sociedad está estrechamente relacionada con otros aspectos de su cultura, como su organización económica, su desarrollo tecnológico, tradiciones, creencias religiosas, etc

En sentido más amplio, la música nace con el ser humano, ya que estaba presente, según algunos estudios, mucho antes de la migración de los primeros grupos que abandonaron África hace más de 50.000 años. Es por tanto una manifestación cultural universal.

                                     

1. La música en la Prehistoria de 50 000 a. C 5000 a. C. (The music in the Prehistory of 50 000 to. C 5000 to. C)

Se ha demostrado la íntima relación entre la especie humana y la música, y mientras que algunas interpretaciones tradicionales de la vinculación de su surgimiento a actividades intelectuales vinculadas al concepto de lo sobrenatural por lo que es cumplir una función de finalidad supersticiosa, mágica o mística. Actualmente asociado con los rituales de apareamiento y con el trabajo colectivo.

Para el hombre primitivo había dos señales que evidencia la separación entre la vida y la muerte: el movimiento y el sonido. Los ritos de la vida y la muerte son desarrollados en esta doble clave. En el llamado arte prehistórico, bailar, y cantar juntos como símbolos de la vida, mientras que la quietud y el silencio es como símbolos de la muerte.

El hombre primitivo se encuentra la música en la naturaleza y en su propia voz. También aprendió cómo crear sonidos con objetos, rudimentarias, como eran: los huesos, cañas, troncos, conchas, etc

Hay evidencia de que por el 3000. C. en Sumeria ya había instrumentos de percusión y de cuerdas de la lira y el arpa. Las canciones cultos de la antigüedad fueron más bien lamentaciones en los textos poéticos.

En tiempos prehistóricos, aparece la música en los rituales de caza o de guerra y en las fiestas donde, alrededor del fuego, y danzaba hasta el agotamiento. La música se basa principalmente en ritmos y movimientos que imitan a los animales. Las manifestaciones musicales del hombre consiste en la exteriorización de sus sentimientos a través del sonido emanado de su propia voz y con el fin de distinguirlo del habla que utiliza para comunicarse con otros seres.

Las primeras herramientas fueron objetos, utensilios o el mismo cuerpo del hombre que podría producir sonidos. Estos instrumentos se pueden clasificar en:

a) Autófonos: aquellos que producen sonidos por medio de la materia con la que están construidos. Son instrumentos de percusión, por ejemplo, el hueso contra la piedra.

(b) Membranófonos: una serie de instrumentos más sencillos que los construidos por el hombre. Batería: hecho con una membrana de corbata más de un coco, un recipiente cualquiera o una verdadera y auténtica sonido.

(c) Cordófonos: son los de cuerda, por ejemplo, el arpa.

d) Viento: el sonido se origina en ellos por las vibraciones de una columna de aire. Uno de los primeros instrumentos es el de la flauta, en un principio construida con un hueso con agujeros.

                                     

1.1. La música en la Prehistoria de 50 000 a. C 5000 a. C. Orígenes de la música. (Origins of music)

Es difícil precisar con exactitud el origen de la música, y enmarcarlo en un momento preciso de la historia. El origen de la música, es entendido como la creación de los sonidos complejos.

                                     

2.1. El antiguo mundo de los 5000. C 476 d. C. El antiguo Egipto y Mesopotamia. (Ancient Egypt and Mesopotamia)

La música en Egipto había avanzados conocimientos que eran reservados para los sacerdotes. En el Imperio Nuevo utilizaban ya la escala de siete sonidos. Esta gente tenía una herramienta rica y variada, algunos de los más representativos son el arpa, un instrumento de cuerdas y el oboe doble como un instrumento de viento. En Mesopotamia, los músicos eran considerados personas de gran renombre, acompañó al monarca no sólo en los actos de culto, sino también en las suntuosas ceremonias del palacio, y en las guerras. El arpa es uno de los instrumentos más apreciados en Mesopotamia. La expresión musical de la Mesopotamia se considera el origen de la cultura de la música occidental.

                                     

2.2. El antiguo mundo de los 5000. C 476 d. C. La Antigua Grecia. (Ancient Greece)

En la Antigua Grecia, la música fue influenciada por todas las civilizaciones que la rodeaba, teniendo en cuenta su importante posición estratégica. Culturas como la mesopotámica, etruscos, egipcios o incluso indo-europea fueron de gran influencia, tanto en su música y en sus instrumentos musicales. Los griegos daban gran importancia al valor educativo y moral de la música. Por esta razón es muy estrechamente relacionado con el poema épico. Aparecen los bardos o aedos que, acompañados de una lira, vagando de pueblo en pueblo mendigando y ahorro de la memoria oral de la historia de Grecia y sus leyendas. Fue entonces cuando se la relacionó con la música estrechamente con la filosofía. Los sabios de la época para resaltar el valor cultural de la música.

Posteriormente aparece en Atenas, el ditirambo, canciones dirigidas a Dioniso, acompañada de danzas, y el aulós, un instrumento similar la de la flauta. Surgen también los dramas, tragedias y comedias, de una manera combinada, pero sin perder la danza, la música y la poesía.

Los principales instrumentos utilizados en Grecia eran la lira, la cítara, el aulós, caucho, también llamada flauta de Pan, por su creación mitológica que consiste en Pan y de Goma, varios tipos de tambores, tales como, por ejemplo, el tympanon siempre en las manos de la mujer, la serpiente de cascabel, el címbalo, el sistro y castañuelas.



                                     

2.3. El antiguo mundo de los 5000. C 476 d. C. La Antigua Roma. (Ancient Rome)

En el siglo II a. C. Grecia fue conquistada por Roma, y a pesar de que ambas culturas se fusionaron, Roma no aportó nada la música griega, más que el legado de la latina para el canto gregoriano. Sí, ha evolucionado de la manera romana, variando los tiempos de su estética. Generalmente la música que se utiliza en las grandes fiestas, pero antes, la música fue aplicado principalmente a los ritos cristianos y alabanzas que contenía los salmos. Eran muy valorados los músicos, artistas o famosos, la adición de los taludes de humor y distendido a sus actuaciones. Estos músicos vivían en una manera bohemia, rodeado siempre de vacaciones.

En los teatros romanos o los anfiteatros se representaban comedias en el estilo griego. Autores populares fueron, entre otros Plauto y Terencio. La tragedia tuvo trascendencia a ser el máximo productor en Séneca. La música tenía un papel importante en estas obras.

Desde la fundación de Roma, es un hito musical, los ludiones. Estos fueron los actores que eran de origen etrusco que bailan al ritmo de la tibia de un tipo de aulós. Los romanos tratan de imitar estas artes y agrega el elemento de la música vocal. Estos nuevos artistas fueron llamados histriones que significa bailarines en etrusco. No hay música de este estilo que ha llegado hasta nosotros a excepción de un pequeño fragmento de una comedia de Terencio.

Cuando el imperio romano se consolida, es la inmigración la que enriquece la cultura romana. Fueron relevantes las aportaciones de Siria, de Egipto y de los que vinieron de la Península Ibérica, España actual. Volver viejos estilos como la citarodia versos con la cítara y la citarística cítara único virtuoso. Eran habituales concursos y competencias en esta disciplina.

                                     

2.4. El antiguo mundo de los 5000. C 476 d. C. La música en la Antigua China: el simbolismo y la textura en la música tradicional de china. (Music in Ancient China: symbolism and texture in the traditional music of china)

Desde los tiempos más antiguos, en China, la música fue tomada en la máxima consideración. Todas las dinastías va a dedicar una sección especial. Incluso hoy en día, los Chinos de la música está impregnada de la tradición de siglos, un legendario y misterioso de las filosofías de los más antiguos en el mundo.

La explicación acústico que sustenta este sistema de música es el quinto soplado. Si soplamos con fuerza en un tubo cerrado, correspondiente, por ejemplo, para fa-4 para obtener una pura quinto superior, es decir, hacer 5. Pero esto de hacer 5 también puede ser obtenido por soplado normalmente en otro tubo para medir dos tercios de la longitud de la primera.

Cortar un tercer tubo, que mide dos tercios de hacer 5 se obtendrá una quinta justa por encima de c 5, es decir, el sol 5. Como este sonido está muy lejos de huang-chung, se duplica su longitud y se obtiene sol 4, debido la relación dual corresponde la octava.

Pero los teóricos chinos se dieron cuenta de que podían conseguir el mismo sol 4, por el corte de un tubo que iba a medir cuatro tercios de hacer 5.

Trabajando así, y siempre, con relaciones a los dos tercios y cuatro tercios, llegaron la escala de 12 meses, que llega la octava. No es la octava feria, por el camino, ya que la relación de 1:2 nunca es equivalente la ecuación 12 2 / 3. Obtuvo entonces una escala dodecafónica temperamento desigual.

El peligro de esta escala cíclica es que, para la mayoría de las precauciones tomadas, las fracciones son cada vez más y más complicada, y irreductible a números enteros. Si concedemos el número ochenta y uno para el huang-chung, y se aplica el principio de la cíclica 2 / 3-4 / 3 al llegar la sexta lu iniciar números con fracciones, y cada vez se vuelven más complicadas ecuaciones a realizar: 81-54-72-48-64-42.666-56.888-etc, la mera lu a su escala habitual.

En el siglo IV a. C. el teórico chino trató de archivar el proyecto para lograr la octava, es decir, se trató el temperamento igual, pero solo en el año de 1596 el príncipe de Tsai-Yu propone ajustar los tubos de acuerdo a un principio equivalente al temperamento igual.

Cada vez que un hombre se tubo produce una femenina, la masculina, es un marido y la mujer esposa. Cada vez que un tubo hembra produce un macho, el tubo de la feminidad de la madre y el niño varón.

Los cinco primeros sonidos del ciclo de quintas partes constituyen la escala habitual básica, pentatónicas anhemitonal sin semitonos.



                                     

3.1. La música en el Renacimiento 1450-1600. Escuela flamenca. (Flemish school)

Es en la región flamenca de los países Bajos, donde, debido a su desarrollo económico, la polifonía recibió un mayor impulso y alcanzó su máximo esplendor entre los siglos XV y XVI. Los músicos de Flandes, pronto se distinguió por una técnica de contrapunto sublime, y una fuente de inspiración cuasi-divino. En un corto período de tiempo, esto se vio reflejado en una mayor influencia por parte de los músicos flamencos en todos o casi todos los centros musicales de Europa. Donde hubo polifonía podía encontrar a un músico flamenco. Este fue, además, ha fortalecido gracias la construcción de grandes catedrales donde se creó una gran cantidad de la schola cantorum.

A finales del siglo XV, apareció en la escena de la música, un gran personaje, de quien se dice que salvó la música polifónica de las intenciones del santo padre: Josquin Des Pres. Aunque de nacionalidad francesa, vivió desde muy joven en Italia. Con su estilo cautivado a más de uno, se mostró que la gran maestría en el manejo del contrapunto y la hizo uso de la semitono. Se dice que Des Pres escribió sólo cuando me sentí como: algo raro en su época y el comienzo de una gran libertad para los compositores.

                                     

3.2. La música en el Renacimiento 1450-1600. La música renacentista francés. (The music of the French renaissance)

Chanson, la música, el tipo de cola que culminará en el madrigal. En el interior cuenta con Pierre Attaignant, Clemente Janequín y Claude Le Jeune 1528-1600. Las peculiaridades de estos compositores son el enorme brillo y la fuerza rítmica que dan a su música un carácter tremendamente extrovertido, se distinguió por tener realismo expresivo, describe la naturaleza y pone de relieve la expresión del texto, uno de sus exponentes es Clement Janequin. Él escribió una de las canciones populares de la llamada LAhutte. Esta melodía representa escenas de caza, las imágenes de la batalla, el parloteo de las mujeres y las idas y venidas de la gente de los mercados. Él lo describió como si yo quería pintar en un lugar fresco para mostrar en la vida común.

El canto de la reforma religiosa se aplica a las melodías de canciones populares y se utiliza para el servicio religioso en el que participan grandes grupos de personas.

Juan Calvino utiliza esta misa cantando al unísono y armonizado a cuatro voces.

                                     

3.3. La música en el Renacimiento 1450-1600. La música del renacimiento italiano. (The music of the Italian renaissance)

La música italiana se vio condicionada por el papel que ocuparon los compositores flamencos como: Adrian Willaert y sus discípulos, que trasplantaron el estilo polifónico holandés. En menos de un siglo, Italia reemplazado a los países Bajos como el centro de la vida musical en europa. Hay dos tipos de formas musicales:

  • El fróttola, que era un tipo de canción estrófica, con guión anotó cuatro voces, con esquemas rítmicos marcados, armonías diatónicas y un estilo que es homófono con la melodía en la voz superior. Tiene varios subtipos tales como la barzelleta, el capitolo, el estrambotto, etc, se utiliza para ejecutar el canto de la voz superior y jugar los otros tres voces a modo de acompañamiento. Sus textos eran de amor y satírico. Sus principales compositores eran italianos.
  • La lauda, una contraparte a los religiosos de la fróttola, se cantaba en reuniones religiosas semi-a capella, o con instrumentos tocados por las tres voces superiores. Se fue para la mayor parte silábica y homófona, con la melodía en la voz superior, llamado de la música.
                                     

3.4. La música en el Renacimiento 1450-1600. La música renacentista inglesa. (The music of English renaissance)

En la música del renacimiento inglés, destacando el compositor William Byrd, quien jugó un papel crucial en la tecla de música, otro compositor de gran relevancia es John Dowland, autor de un espléndido y reconocidas melodías para laúd.

                                     

3.5. La música en el Renacimiento 1450-1600. La música renacentista alemán. (Renaissance music, German)

Durante el siglo XVII, Alemania fue en la guerra de los 30 años, el sacro Imperio Germánico, a cargo del emperador Felipe II y su hermano Fernando I, al frente de una guerra contra el protestantismo en Alemania, por tanto las artes en Alemania sufrió una fuerte represión por parte del clero antes y durante la guerra, entre otros, no se le permitió componer en alemán, sin embargo se dio la paz de Westfalia, por la intervención del cardenal Richelieu en la guerra, y las artes florecieron en Alemania, entre los primeros compositores en excel se Isaías Reusner, Johann Pachelbel y Heinrich Schütz, aunque estos no escribir la música religiosa en alemán, uno de los primeros en componer en alemán fueron los organistas de Johann Sebastian Bach y Diderik de Buxtehude.

                                     

3.6. La música en el Renacimiento 1450-1600. La música renacentista española. (Spanish renaissance music)

Como en las letras, el siglo XVI es también el Siglo de Oro de la música española. Son las obras de los compositores Tomás Luis de Victoria, Cristóbal de Morales y Francisco Guerrero.

Entre las obras más importantes del renacimiento se destacan: el Cancionero de palacio, la música de la corte de los Reyes Católicos, Isabel I de Castilla y Fernando II de Aragón, el libro de Al-Andalus, los libros en cifras para vihuela de Alonso Mudarra, los compositores Luis de Narváez, Gaspar Sanz y el madrigalista Juan del Encina.

                                     

4.1. Música clásica 1600-1910. Barroco 1600-1750. (Baroque 1600-1750)

La música barroca es el período de la música que dominó Europa durante todo el siglo XVII y la primera mitad de la siguiente, siendo reemplazado por el clasicismo a 1750-1760. Se considera que nació en Italia y alcanzó su apogeo en Alemania durante el barroco tardío. Es uno de los períodos de en rica, fértil, creativo y revolucionario en la historia de la música.

En este período se desarrollaron nuevas formas y fueron operados grandes avances técnicos tanto en la composición y en el virtuosismo, así tenemos: los colores, la expresividad, el bajo cifrado y bajo continuo, de intensidad, de la ópera, oratorio, cantata, sonata, tocata, suite, fuga, y la sinfonía.

                                     

4.2. Música clásica 1600-1910. El bajo continuo. (The low continuous)

También llamado el bajo cifrado, designa la orientación del sistema ideado a comienzos del período barroco, y es también un sistema estenográfico o taquigráfico de la escritura de la música. Como una técnica de composición permite que el compositor para dibujar sólo el contorno de la melodía y el bajo cifrado, dejando las voces que decir, o es el relleno armónico, la invención del continuo. La aplicación de la continuidad, requiere de dos instrumentistas: un instrumento melódico grave que ejecuta las notas del bajo y un instrumento armónico a cargo de la continuista, que se desarrolla improvisado de las armonías, de acuerdo a las cifras del bajo cifrado, en forma de acordes, arpegios, o de otras figuraciones, todo de acuerdo a las necesidades y al estilo expresivo del texto musical.

                                     

4.3. Música clásica 1600-1910. El sistema tonal. (The tonal system)

El sistema tonal, fue una evolución de los últimos maestros de la música medieval hasta su máximo esplendor, desde Bach hasta la última compositores tonal del posromanticismo. En sus inicios, se ha definido una armonía musical compuesto por siete temas separados: las notas, los intervalos, los géneros, los sistemas de escala, los tonos, el tipo de modulación y la composición de melodías.

                                     

4.4. Música clásica 1600-1910. El barroco temprano 1600-1650. (The early-baroque 1600-1650)

La música en Italia durante los siglos XVI, XVII y principios del XVIII estaba viviendo su apogeo y además fue en búsqueda del máximo esplendor artístico, desde lo sublime hasta lo sublime, la alegría de los religiosos es disputada entre lo humano y lo divino en el campo de batalla que era el Barroco. El theatrum mundi italiano vivió bajo el precepto de "delectare et movere" deleitar y emocionar. La sprezzatura de italiano, dio paso a lo que sería el mayor espectáculo de la voz humana: la ópera. El concerto grosso orquesta italiano y italiano fueron el prototipo de composición y de ejecución a ser seguido por el conjunto de Europa occidental. Los castrati juegan un papel predominante durante el Barroco italiano, fueron el Barroco humanos, la hermosa, extravagante, y la vez lo grotesco, lo confuso, o manierista, el bello con lo feo, la moral y la decadencia contra el esplendor de la suprema sociedad del barroco italiano inmortalizado por una voz que trasciende el concepto de "perfección", e incluso algunos llevado la locura.

El italiano violino, una puesta en escena de manierismo, barroco, fue un vehículo para el virtuosismo del artista intérprete o ejecutante que la del compositor, que sólo indica las pautas que los artistas intérpretes o ejecutantes, y asumió con gran libertad. Ejemplos de este periodo son los doce conciertos de Pietro Locatelli, y el concerto grosso de Arcangelo Corelli.

  • Girolamo Frescobaldi 1583-1643.
  • Heinrich Schütz 1585-1672.
  • Claudio Monteverdi 1567-1643 fue un importante compositor italiano, uno de los primeros en desarrollar los recursos de estilo barroco, que se ha aplicado ampliamente para la ópera, el madrigal y la música religiosa. Él dominó tanto los nuevos estilos de principios del siglo XVII, como la de los más avanzados recursos de la polifonía franco-flamenca. Él estaba muy involucrado en el desarrollo de la ópera veneciana. Compuso una gran cantidad de música religiosa, y más de 250 madrigales. Una gran parte de sus óperas se han perdido. Sólo tres mantienen Orfeo 1607, El retorno de Ulises y la Coronación de Popea 1624. Monteverdi sobresalido en su libertad creativa en el uso de las formas, estilos y texturas, viejos y nuevos, de la potencia expresiva de la armonía y la discordia, y el poder con los instrumentos de la orquesta.
  • Jan Pieterszoon Sweelinck 1562-1621.


                                     

4.5. Música clásica 1600-1910. Barroco medio 1650-1700. (Baroque middle 1650-1700)

  • Arcangelo Corelli 1653-1713, compositor y violinista italiano, uno de los mayores defensores de la escuela italiana de el violín y la música instrumental en Italia. Fue uno de los creadores de la forma que se llama concerto grosso. Compuso también Sonatas tanto de cámara como de la iglesia. Corelli fue uno de los primeros compositores que se aplican de manera sistemática los procedimientos derivados del Sistema tonal.
  • Jean Baptiste Lully 1632-1687.
  • Alessandro Scarlatti 1660-1725.
  • Dietrich Buxtehude, 1637-1707.
  • Henry Purcell 1659-1695.
  • Johann Pachelbel 1653-1706.
                                     

4.6. Música clásica 1600-1910. El barroco tardío 1700-1750. (The late baroque 1700-1750)

El barroco en la música, a diferencia de otras ramas del arte, es todavía un poco más en el tiempo y se extiende hasta la década de los 50s y 60s del siglo XVIII, cuando mueren los últimos grandes exponentes de la época barroca: Antonio Vivaldi, Georg Philipp Telemann, Jean Philippe Rameau, de Johann Sebastian Bach, Domenico Scarlatti y Georg Friedrich Händel.

La última generación de importantes son los nacidos entre los años 1668 y 1685, donde muchos de ellos representan zenith nacional, y de la edad en el país donde vive: Vivaldi en Italia, Bach y Telemann en Alemania, Handel en Inglaterra, Rameau y Couperin en Francia y Scarlatti en España. A pesar de que algunos de ellos no sólo es aplicable a sus nacionales de la escuela y hacer una síntesis y resumen de todas las escuelas como es el caso de Bach, Haendel y Telemann, todos nacidos en Alemania, mientras Handel va a Italia en 1706 y nunca regresar y establecerse en Inglaterra en 1713, hasta su muerte, convirtiéndose en el máximo exponente de la escuela de inglés.

Es con esta generación alemana, especialmente por Bach, cuando el mundo de la música, las tribus germánicas, que se convierte en el país de la música de la primera orden, la superación de Italia y de pasar a ser el máximo poder de la música, que duró hasta principios del siglo XX, desde Bach a Schonberg y la segunda escuela de viena.

En esta última etapa del barroco, que comienza alrededor de los 1700-1710 cuando esta generación comienza a ser activo en el mundo musical de la época, la música adquiere y avanza a una nueva dimensión sin romper el estilo barroco en todos los ámbitos, desde los géneros y formas, la manera de escuchar la música a través de los instrumentos y de instrumentación. La música barroca adquiere aquí una espléndida madurez, altura, y un gran refinación sin precedentes en las dos etapas anteriores que culminará especialmente en la obra de Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich Händel, las dos grandes figuras dominantes de este período.

La técnica de la polifonía y el contrapunto todavía tiene una especial importancia en esta época, más notable en Alemania y especialmente en Bach, pero la homofonía es cada vez más auge e importancia, junto con las dos técnicas de un par de décadas la pareja durante esta generación de compositores, algunos de ellos como Bach o Haendel, dominándolos con gran maestría.

Uno de los hitos más importantes en la última de estilo Barroco, es el de la liquidación final de la tonalidad en la música occidental con una de las obras más importantes de la música universal, el clave bien temperado BWV 846-893, Bach, una colección en dos libros publicados en 1722 y 1744, que consta de 24 preludios y fugas de cada libro en el tono del sistema tonal, siendo una demostración de que el sistema tonal que estará en vigor hasta el comienzo del siglo XX.

En el mismo año en el primer libro, 1722, simultáneamente, aunque independiente, también se publicó el primer gran tratado del sistema tonal, el Tratado de la armonía reducida a sus ingredientes naturales de Jean Philippe Rameau, que a pesar de este tratado es imperfecto, será utilizado en referencia a principios del siglo XX.

Las formas musicales del barroco tardío son prácticamente el mismo que del período anterior, pero con pequeños cambios que van a ser importantes precedentes y se abrirá un camino de algunos de los géneros más queridos del clasicismo vienés de la segunda mitad de ese siglo: El concierto para teclado y la sonata con acompañamiento sin bajo continuo.

En términos de instrumentos, hemos hecho varios cambios y algunos de los instrumentos de los anteriores pasos no aguantan hasta el final del barroco y caen en desuso, mucho antes, el laúd y viola da gamba, en general reemplazados por otros más nuevos en este día y edad de llegar a un gran auge de la técnica y de prestigio, como el violín, la guitarra o el violonchelo. La clave sigue omnipresente en toda la música de este período, culminando su larga carrera de siglos antes, en la obra de Bach, Rameau, Haendel y Scarlatti, aunque esté en boga hasta 1770. El cuerpo seguirá teniendo un peso importante en Alemania, donde con Bach llega a su expresión más alta en toda la historia.

A medida que pasa el tiempo el estilo Barroco, que ya había pasado mucho tiempo como el estilo dominador de la música occidental, es rechazada por las generaciones después de los últimos grandes exponentes del Barroco, que realizan un estilo que es más simple, con sólo un contrapunto, el estilo Galante, en boga desde 1730.

La nueva generación iluminado, nacido a partir de 1700, la rechazó-por-complicado, más elaborada -, por el abuso de contrapunto, por áridos y antigua, y el estilo de mantenerse apegado a partir de 1730 a las generaciones mayores de la época, muriendo prácticamente entre 1741 y 1767, con la muerte de Vivaldi, Bach, Haendel, Rameau y Telemann.

                                     

5. Clásica 1750-1800. (Classical 1750-1800)

Es el estilo caracterizado por la transición de la música barroca a una música equilibrada entre estructura y melodía. Con la segunda mitad del siglo XVIII. Franz Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven son tres de sus más destacados representantes

                                     

5.1. Clásica 1750-1800. La orquesta y nuevas formas musicales. (The orchestra and new musical forms)

  • Carl Philipp Emanuel Bach 1714-1788, fue un músico y compositor alemán. Se refiere a menudo como el C. P. E. Bach. Es considerado uno de los fundadores del estilo clásico y uno de los más importantes compositores de la época, galante, además de ser el último gran maestro de la llave hasta el siglo XX. Carl Philipp Emanuel Bach compuso veinte-dos Pasiones, dos oratorios, diecinueve sinfonías, quince conciertos, cerca de dos centenares de obras de cámara, y varias piezas para teclado, canciones e himnos.
  • Franz Joseph Haydn 1732-1809, compositor austriaco, una de las figuras más influyentes en el desarrollo de la música del clasicismo. c. 1750-1820. En 1755 trabajó para el barón Karl Josef von Fürnberg, un período en el que compuso sus primeros cuartetos de cuerda. En 1759 fue nombrado director musical de el conde Fernando Maximiliano von Morzin. Desde 1761 hasta su muerte, trabajó en el servicio de los príncipes Esterhazy ―primero Pablo Antón, y, a continuación, Nikolaus, que tuvo a su disposición una de las mejores orquestas de Europa.
  • Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791, compositor austríaco de la época clásica. Uno de los mayores y más influyentes en la historia de la música occidental. Estudió con Leopold Mozart, su padre, conocido violinista y compositor que trabajaba en la orquesta de la corte del arzobispo de Salzburgo. Desde pequeño fue un niño prodigio, un genio de la música. Se dice que fue el compositor es perfecto, porque en sus borradores casi no se detecta ningún error. Se caracteriza por su estilo sencillo, claro y equilibrado, aunque sin escapar de la intensidad emocional. En su vasta producción musical de más de 600 obras, a pesar de su corta vida incluyen, entre muchos otros géneros de la música, sus conciertos de piano y de sus óperas.
  • Ludwig van Beethoven 1770-1827, compositor alemán, considerado uno de los más grandes de la cultura occidental. Se formó en un ambiente propicio para el desarrollo de sus facultades, aunque excesivamente rígidos. Sus primeros brotes de talento musical, que fueron dirigidas tiránico por la disciplina de su padre, que era tenor, en la capilla de la corte. En 1789 Beethoven comenzó a trabajar como músico de la corte en apoyo de su familia. Sus primeras obras, bajo la tutela del compositor alemán Christian Gottlob Neefe, en particular, la cantata fúnebre por la muerte del emperador José II, mostró ya una gran inteligencia, y pensó en la posibilidad de que se fuera a Viena para estudiar con Wolfgang Amadeus Mozart. A pesar de la muerte de Mozart en 1791 hecho de que estos planes no se pudo ejecutar, Beethoven se trasladó a Viena en 1792 para estudiar con el compositor austriaco Joseph Haydn. Beethoven ha sido reconocido tanto por sus principios clásicos como por su libertad de expresión, y se sitúa, por tanto, como el último de los clásicos y el primero de los románticos.
                                     

5.2. Clásica 1750-1800. La escuela de Mannheim. (The school of Mannheim)

La escuela es más importante durante el primer clasicismo fue, sin duda, la escuela de Mannheim. En esta ciudad comienza a desarrollar esta escuela de orquesta. A partir de 1740 fundó una orquesta reconocida como la mejor de la época, que reunió a los músicos más sobresalientes de Europa, dirigida por el compositor Johann Stamitz, y cuyo patrón y la composición que se establezca que todas las orquestas clásicas de la época.

Esta escuela ayudó a establecer las formas clásicas y a explorar y desarrollar los efectos de la orquesta, que hasta entonces se había limitado a las oberturas de las óperas. Además, se dividió la orquesta en dos partes iguales que interactúan el uno con el otro.

                                     

5.3. Clásica 1750-1800. Otras escuelas. (Other schools)

La Escuela de Viena. La particularidad de esta escuela es el uso de temas, de carácter contrastante. Tuvo como representantes a Florian Leopold Gassmann, Georg Monn y Georg Christoph Wagenseil.

La escuela de Berlín. La importancia de esta escuela radica en el hecho de que fue el primer lugar donde se inicia el desarrollo técnico. Como el representante de Carl Philipp Emmanuel Bach.

                                     

6. El romanticismo 1800-1860. (The romanticism 1800-1860)

República Checa. (Czech Republic)

  • Antonín Dvořák Danzas eslavas, la Sinfonía del Nuevo Mundo.
  • Bedřich Smetana "La novia vendida", de Mi país.

España. (Spain)

  • Isaac Albéniz Suite Iberia.
  • Enrique Granados Goyescas.

Reino unido

  • Frederick Delius Una Masa de Vida, en Un Pueblo de Romeo y Julieta.
  • Edward Elgar Variaciones Enigma, de la Pompa y circunstancia.

Estados Unidos. (United States)

  • Horatio Parker Hora Novissima.
  • Edward Mac Dowell Indio Suite.
                                     

6.1. El romanticismo 1800-1860. El piano romántico. (The romantic piano)

  • Johannes Brahms 1833-1897. Después de estudiar violín y violonchelo con su padre, el bajista de el teatro de la ciudad, Brahms especializada en el piano y comenzó a componer bajo la tutela de la profesora de alemán Eduard Marxsen, cuyo conservador gusto musical dejó una profunda impresión en él. En 1853 inició una gira de conciertos como pianista acompañante para el violinista húngaro Eduard Reményi. Durante este viaje conoció al violinista, también húngaro, José Joaquín, quien le introdujo en el compositor alemán Robert Schumann. Schumann estaba tan sorprendido con las composiciones de Brahms, las obras todavía no se han publicado, escribió un apasionado artículo en una revista de la época en que el joven compositor. Brahms tomó un sincero afecto a Schumann y su esposa, la famosa pianista Clara Josephine Schumann, y esta amistad y el aliento que recibió de ellos le dio la energía para trabajar sin descanso.
  • Robert Schumann 1810-1856, compositor alemán del romanticismo. Desde niño, ya había demostrado sus cualidades musicales, y su padre lo apoyó durante su formación procurándole un profesor de piano. La dedicación a su carrera musical se vio truncado por la muerte de su padre, aunque posteriormente se reemprendería sus estudios. Fue un brillante compositor y crítico musical, lo que le permitió descubrir a Johannes Brahms cuando él era un joven de veinte años. En 1839, Robert se casó con Clara Wieck, y tuvieron ocho hijos. Finalmente, durante sus últimos años hubo una acentuación de las depresiones, crisis, los intentos de suicidio y de los períodos de detención. Murió de tifus en un sanatorio.
  • Felix Mendelssohn 1809-1847, compositor alemán, una de las figuras más importantes de principios de romanticismo europeo del siglo XIX. A los 9 años de edad debutó como pianista la edad de 11 ella realizó su primera composición. Compuso la obertura de El sueño de una noche de verano cuando yo tenía 17 años de edad, y la obra que contiene la famosa boda de Marzo de 17 años más tarde. Tuvo como maestros a que el compositor y pianista checo Ignaz Moscheles y el compositor alemán Carl Friedrich Zelter. Mendelssohn se le atribuye haber redescubierto las obras de Johann Sebastian Bach, cuando se inauguró en 1829 su Pasión según San Mateo.
  • Franz Liszt 1811-1886, el compositor austro-húngaro, el pianista y profesor. Liszt se hizo famoso en toda Europa durante el siglo XIX por su gran habilidad como intérprete. Sus contemporáneos afirmaban que era el pianista técnicamente más avanzado de su época y tal vez el más grande de todos los tiempos. También fue un importante e influyente compositor, profesor de piano notable, un director que ha contribuido significativamente al desarrollo moderno de arte, y un benefactor de otros compositores y artistas intérpretes o ejecutantes, en particular, de Richard Wagner, de Hector Berlioz, de Camille Saint-Saëns, Edvard Grieg y Aleksandr Borodín.
  • Franz Schubert 1797-1828, compositor austriaco, un gran incomprendido en su tiempo, cuyas canciones para voz solista y piano sobre poemas alemanes están entre las obras maestras de este género, y cuyos trabajos instrumentales son un puente entre el clasicismo y el romanticismo del siglo XIX. Escribió obras para piano, música sinfónica, religiosos, religiosas y numerosas óperas.
  • Frédéric Chopin 1810-1849, comenzó a estudiar piano la edad de cuatro. Él aprendió la técnica del instrumento prácticamente autodidacta, aunque más tarde estudió armonía y contrapunto en el conservatorio de la capital polaca. También fue precoz como un compositor: su primera obra publicada data de 1817. Desde una edad muy joven mantuvo una estrecha relación con las altas esferas sociales, a los que han participado en sus reuniones musicales. En los 20 años de edad salió de su natal Polonia en un viaje de la escuela, pero nunca volvió. Su obra se caracteriza por la intimidad, la delicadeza, la facilidad de la melodía, y una revolucionaria técnica de ejecución. El piano fue el instrumento por excelencia, y goza de una gran popularidad e influencia en los compositores de su tiempo.
                                     

6.2. El romanticismo 1800-1860. El lied. (The lied)

El lied es la forma vocal menos del romance más prominente. Consiste en la interpretación de un poema realizado por un cantante y piano. La estructura general es Un B a, donde la primera y la última estrofa tiene la misma melodía. El principal compositor de la mentido es Schubert, cuyos temas esenciales fueron la muerte, el amor y la naturaleza.

                                     

6.3. El romanticismo 1800-1860. Rusia. (Russia)

El nacionalismo es una tendencia que comenzó en Rusia. Mikhail Glinka, famoso por su ópera Una vida por el Zar les anima a Aleksandr Dargomyzhski para ayudar a convencer a un grupo de cinco compositores rusos para coordinar su trabajo basado en la cultura rusa. Más tarde fueron conocidos como El Grupo de los Cinco. La ópera de Dargomyzhski el elefante en La habitación era la piedra angular sobre la que se basa esta nueva escuela.

Glinka es comúnmente recordado como el fundador de la música nacionalista rusa. Una vez refinado su estilo de composición en relación con sus estudios más tarde, despertó gran atención tanto en su país como en el extranjero. Sus óperas rusas ofrecen una síntesis de la composición de western, pero con la melodía de rusia, mientras que su música orquestal, con un excelente, que ofrece una combinación de lo tradicional y lo exótico.

                                     

6.4. El romanticismo 1800-1860. El Grupo de los Cinco. (The Group of Five)

De este grupo de cinco, sólo dos eran músicos profesionales, César Cui y Mili Balákirev, tanto poco conocido. Un tercero, Aleksandr Borodin es mejor conocido por su composición En las estepas de Asia Central y Danzas polovtsianas de su ópera el príncipe Igor.

Otro componente de este grupo fue Modest Músorgski que introdujo a los ritmos del folclore ruso y escalas inusual de la música de la Iglesia ortodoxa, tan característico en sus obras. Entre sus obras se encuentran la suite para piano Cuadros de una exposición, que más tarde se llamó la atención de Maurice Ravel, quien hizo un arreglo orquestale.

El quinto y último miembro del grupo, fue Nikolai Rimsky-Korsakov, que basó su trabajo en las obras dramáticas de fuerza, rítmica y color orquestal. Sus obras más importantes fueron la ópera El gallo de oro y su famosa suite orquestal Scheherezade. También utiliza elementos de la iglesia rusa en su Obertura de la gran Pascua rusa y las influencias de la música tradicional asturiana o andaluza en sus Caprichos español.

Piotr Ilich Tchaikovsky fue otro de los compositores rusos que utiliza un tono y color brillante. Su sexta sinfonía Pathetique es muy conocido, y realizar, también la música de los tres famosos ballets: El cascanueces, La bella Durmiente y el lago de los cisnes. Obras como la obertura de Marzo de eslava, y el Capricho italiano situado definitivamente a Tchaikovsky en el nacionalismo. Estas obras han sido programadas de modo que a menudo son consideradas entre las obras más famosas jamás construido.

El nacionalismo en la música se refiere la utilización de materiales que son reconocibles como nacional o regional. Por ejemplo, el uso directo de la música folk, y el uso de melodías, ritmos y armonías inspirado por el mismo. El nacionalismo también incluye el uso del folclore como la base conceptual, estética e ideológica programa de obras o óperas.

El nacionalismo es comúnmente relacionada con el estilo del romanticismo y postromanticismo de mediados del siglo XIX hasta mediados del siglo XX, que incorporan elementos de local, o folk, aunque hay evidencia de que el nacionalismo desde el comienzo del siglo XVIII. El término también se utiliza a menudo para describir la música del siglo XX, de regiones no dominante en la música, en especial de américa latina, América del norte y Europa Oriental. Históricamente, el nacionalismo de la música del siglo XIX que ha sido considerada como una reacción en contra de la dominación de la música romántica de alemania.

Los relacionados con los países son muy a menudo el nacionalismo son: Rusia, República checa, Polonia, Hungría, Noruega, Finlandia, Suecia, Grecia, Ucrania, España y el reino unido en Europa y los Estados unidos, México, Brasil, Argentina, Chile y Cuba en América. Algunos de los compositores más importantes comúnmente asociados con el nacionalismo en el siglo XX fueron: el brasileño Heitor Villa-Lobos, la primera y más importante de américa latina compositores en relieve en los círculos musicales de Europa, el checo Leos Janacek, el finlandés Jean Sibelius, el húngaro Bela Bartok, y el español Manuel de Falla, el británico Ralph Vaughan Williams, el mexicano Silvestre Revueltas, el argentino Alberto Ginastera, o el estadounidense Aaron Copland, entre muchos otros.

                                     

6.5. El romanticismo 1800-1860. República Checa. (Czech Republic)

  • Antonín Dvořák Danzas eslavas, la Sinfonía del Nuevo Mundo.
  • Bedřich Smetana "La novia vendida", de Mi país.
                                     

6.6. El romanticismo 1800-1860. Reino unido

  • Frederick Delius Una Masa de Vida, en Un Pueblo de Romeo y Julieta.
  • Edward Elgar Variaciones Enigma, de la Pompa y circunstancia.
                                     

6.7. El romanticismo 1800-1860. Estados Unidos. (United States)

  • Horatio Parker Hora Novissima.
  • Edward Mac Dowell Indio Suite.
                                     

6.8. El romanticismo 1800-1860. Post-Romanticismo. (Post-Romanticism)

Especialmente en la primera parte del siglo, muchos compositores escribieron música que era una extensión de la música romántica del siglo XIX. Armonía - a excepción de una mayor complejidad - fue tonal, y la agrupación instrumental tradicional, como la orquesta o el cuarteto de cuerda seguía siendo el más habitual. Los músicos más representativos de este movimiento fueron Gustav Mahler, Richard Strauss y Sergey Rachmaninov, sin embargo, muchos de los grandes compositores modernistas comenzó su carrera en este estilo, tales como Bela Bartok, Igor Stravinsky y Arnold Schoenberg.

Como compositor Gustav Mahler, centró sus esfuerzos en la forma sinfónica y en el lied. La Segunda, Tercera, Cuarta y Octava sinfonías y Das Lied von der Erde, La canción de la Tierra juntos en sus partituras para ambos sexos. Advirtió que para componer una sinfonía fue "a construir un mundo con todos los medios posibles, para que su trabajo en este campo se caracteriza por una gran heterogeneidad. Introdujo elementos de diferentes fuentes, tales como melodías populares, marchas, fanfarrias militares, a través de un uso personal de la cuerda, entrecortando la prolongación o inusualmente líneas melódicas, junto o yuxtapuestas en el interior del marco formal que absorbe la tradición clásica de viena. Sus obras sinfónicas han adquirido extravagante proporciones y se incluye armonías disonantes que van más allá de la paleta utilizada por Wagner en su Tristán e Isolda.

Muchos compositores prominentes, entre ellos Dmitri Kabalevski, Dmitri Shostakovich y Benjamin Britten - hecho avances significativos en el estilo y la técnica románticos, mientras que usted todavía estaban usando un lenguaje que es melódico, armónico, estructural y textural relacionado con el siglo XIX, accesible para el auditorio de la media.

                                     

7. El impresionismo 1860-1910. (Impressionism 1860-1910)

El impresionismo musical es un movimiento musical surgido a finales del siglo XIX y principios del XX sobre todo en la música francesa, con la necesidad de los compositores de probar nuevas combinaciones de instrumentos para lograr una mayor riqueza de timbre. En el Impresionismo musical es de gran importancia para los anillos, con la que conseguir diferentes efectos. También se caracteriza porque los tiempos no son lineales sino que se ejecutan en la sucesión de impresiones. Están relacionados de esta manera con el Impresionismo pictórico, que tengo las imágenes mediante el uso de pequeños toques de color. Dos de los principales compositores de este movimiento son de Claude Debussy y Maurice Ravel.

  • Claude Debussy.
  • Gabriel Fauré.
  • Maurice Ravel.
  • El Bolero de Ravel.
  • Isaac Albéniz.
  • Erik Satie.
  • Español Suite y Suite ibérica.
  • Manuel de Falla.
  • El Concierto de Aranjuez.
  • Enrique Granados.
  • Joaquín Rodrigo.
  • El pueblo. (The people)
  • Jesús Guridi. (Jesus Guridi)
  • Joaquín Turina. (Joaquin Turina)
                                     

8. La música moderna y contemporánea de 1910-presente. (The music is modern and the contemporary (1910-present)

El siglo XX estuvo marcado por dos grandes acontecimientos que fueron muy decisivas en la historia de la música occidental, y marcó el posterior desarrollo que seguirá la música hasta llegar a nuestros días. La primera es el abandono de la tonalidad y la ruptura total de las formas y técnicas que habían estado haciendo desde el comienzo de la época del barroco, a partir de 1910, en armonía con los avances de los totales de las otras ramas de las artes. A partir de ahí, la música occidental se vuelve muy experimental y compositores están luchando para encontrar nuevos caminos tanto en las formas, los instrumentos, los colores, la tonalidad, el ritmo para hacer la música que es totalmente nuevo y lejos del período de la práctica común de los últimos trescientos años.

El segundo fenómeno es el surgimiento y la difusión de un tipo de música que se desarrolló en las ciudades durante el siglo anterior en contacto con las dos grandes ramas en que se divide, hasta ese momento, la música, la etnia y el académico: la música popular. Este tipo de música, consumido por la creciente clase media urbana, va a experimentar un gran desarrollo gracias la posibilidad de grabar sonido a través de las nuevas tecnologías de principios del siglo XX, que llevará la industria discográfica y la aparición de medios de comunicación masiva como la radio y el cine sonoro. El efecto de la música popular y la industria de la música que se desarrolla a su alrededor va a cambiar drásticamente los hábitos de la música que estaban presentes desde la Edad Media.

                                     

9.1. La música, la modernista y contemporáneo. El futurismo. (Futurism)

El futurismo fue uno de los primeros movimientos de vanguardia en la Europa del siglo XX. Este movimiento artístico fue fundada en Italia por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti, quien escribe el Manifiesto Futurista, y publicado el 20 de febrero de 1909 en el periódico Le Figaro de París.

Este movimiento buscaba romper con las tradiciones artísticas del pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Tratado de mejorar la vida contemporánea por medio de dos temas principales: la máquina y el movimiento. Los principales compositores futuristas fueron los italianos Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo.

                                     

9.2. La música, la modernista y contemporáneo. La Crisis de la tonalidad y el atonalismo. (The Crisis of the tonality and the atonalismo)

Los comienzos de la historia de la música europea sin un centro tonal se encuentra en Franz Liszt con su Bagatella sin tonalidad de 1885, un período en el que ya se hablaba de una "crisis de la tonalidad". Esta crisis fue generada a partir de la creciente uso de los acordes con ambigüedad inflexiones de armónicos menos probable, y las inflexiones melódicas y rítmicas más posible inusual en la música tonal.

En el comienzo del siglo XX, compositores como Claude Debussy, Aleksandr Skriabin, Béla Bartók, Hindemith, Sergey Prokofiev, Carl Ruggles, de Igor Stravinsky, y Edgard Varèse, escribió la música que se ha descrito, en todo o en parte, como atonal. La primera fase de la atonalismo predecesor del dodecafonismo, conocida como la "atonalidad libre" o "chroma" gratis", que participan de un intento consciente para evitar la armonía diatónica tradicional. Las obras más importantes de este período incluyen la ópera Wozzeck 1917-1922 Alban Berg y Pierrot Lunaire en 1912 por Arnold Schönberg.

                                     

9.3. La música, la modernista y contemporáneo. Segunda escuela de Viena. Dodecafonismo y serialismo. (Second school of Vienna. Dodecafonismo and serialismo)

Una de las más importantes figuras de la música del siglo XX es el de Arnold Schoenberg. Sus primeras obras pertenecen al estilo románico tardío, influenciado por Richard Wagner y Gustav Mahler, pero al final abandonó el sistema de composición tonal para escribir la música atonal. Con el tiempo, desarrolló la técnica del dodecafonismo de la asamblea en 1923, en sustitución de la organización tonal tradicional.

Sus estudiantes Anton Webern y Alban Berg también ha desarrollado y profundizado en el uso del sistema dodecafónico, y destaca por el uso de esta tecnología bajo sus propias reglas. Los tres son conocidos, coloquialmente, como el de La Trinidad Schoenberg, o la Segunda Escuela de Viena. Este nombre fue creado para destacar que esta Nueva Música tenía el mismo efecto innovador de la Primera Escuela de viena de Haydn, Mozart y Beethoven.

El dodecafonismo era una forma de música atonal, con una técnica de composición en la cual las 12 notas de la escala cromática son tratados como equivalentes, es decir, sujeto a una relación ordenada que a diferencia del sistema de mayor-menor de la tonalidad no establece jerarquía entre las notas. Lo que hizo el fundador de la música dodecafónica, Schönberg, era prohibir por ley el uso de una nota más que otro: la melodía dodecafónica debe tomar las 12 notas de la escala cromática. Está escrito de acuerdo con el principio de los doce semitonos, o las notas son de igual importancia. La relación interna se establece a partir del uso de una serie compuesta por doce notas. El compositor decide el orden en el que aparecen con la condición de que no se repita ninguna hasta el final.

El serialismo integral representa un paso más hacia adelante en el dodecafonismo, y fue creado por la que fue discípulo de Schönberg, Anton Webern: el establecimiento de un orden no sólo para la sucesión de los diferentes alturas, pero la sucesión de las diferentes duraciones y la sucesión de la dinámica de los niveles de intensidad de sonido, así como la articulación. Todas estas series se repiten durante el transcurso de un trabajo. La técnica ha sido llamado el serialismo integral, para distinguirlo del serialismo limitada dodecafonismo. Irónicamente, después de años de impopularidad, el estilo puntillista de Webern - en el que los sonidos individuales son cuidadosasmente situado en el trabajo, de manera que cada uno tiene importancia - se convirtió en la norma en Europa durante los años cincuenta y sesenta, y fue muy influyente entre los compositores del periodo de la posguerra, como Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Luciano Berio, Luigi Nono, Karlheinz Stockhausen y de Igor Stravinsky.

                                     

9.4. La música, la modernista y contemporáneo. El primitivismo. (Primitivism)

El primitivismo fue un movimiento en las artes que trató de rescatar el folclore más arcaico de ciertas regiones con un lenguaje moderno. Similar al nacionalismo en su esfuerzo para rescatar a los locales, el primitivismo incorpora además de las métricas, y los acentos irregulares, aumento en el uso de la percusión y otros timbres, escalas modales, y la armonía politonal y atonal. Dentro de la música, los dos gigantes de este movimiento fueron el ruso Igor Stravinsky y el húngaro Bela Bartok, aunque el trabajo de ambos supera la denominación "primitivas".

                                     

9.5. La música, la modernista y contemporáneo. Microtonalismo

El microtonalismo es la música que utiliza microtonos los intervalos musicales más pequeño que un semitono. El compositor estadounidense Charles Ives fue el microtonos de humor como "las notas entre las teclas del piano". El mexicano Julián Carrillo 1875-1965 distingue a los dieciséis sonidos claramente diferentes entre los tonos de G y Un emitida por la cuarta cuerda de violín, que era su punto de partida para componer una gran cantidad de música microtonal. El microtonalismo está presente en las obras de George Enescu, Bela Bartok y Miguel Oblitas Bustamante. Algunos otros autores utilizan también esta técnica. La música microtonal nunca tuvo demasiada aceptación y fue considerado a partir de ahora casi exclusivamente por los músicos de Vanguardia.

                                     

9.6. La música, la modernista y contemporáneo. El neoclasicismo. (Neoclassicism)

El neoclasicismo en la música se refiere al movimiento del siglo XX, que revivió una práctica común de la tradición en términos de armonía, melodía, forma, timbre, ritmos, pero mezclado con grandes disonancias, atonal y ritmos sincopados, como punto de partida para componer música. Igor Stravinsky, Hindemith, Sergey Prokofiev, de Dmitri Shostakovich, Bohuslav Martinu, y Béla Bartók son los más importantes compositores a ser mencionado en este estilo, pero también la prolífica Darius Milhaud y su contemporáneo Francis Poulenc, y Arthur Honegger.

Después de un período inicial en el que parecen dar prioridad a las influencias de Sergey Prokofiev, Igor Stravinski y Paul Hindemith, Dmitri Shostakovich desarrollado un estilo híbrido que es representante de su ópera Lady Macbeth de Mtsensk de 1934. Más tarde se convirtió en un estilo posromántico, donde destaca la Sinfonía Nº 5, en 1937, y en el que la influencia de Gustav Mahler, combinado con la tradición musical de rusia, con Modest Músorgski y Stravinsky como puntos de referencia importantes. Shostakovich incorporado todas estas influencias, creando un estilo muy personal. La música de Shostakovich a menudo incluyen fuertes contrastes y elementos de lo grotesco,

                                     

9.7. La música, la modernista y contemporáneo. El minimalismo. (The minimalism)

Varios compositores de la década de los años sesenta comenzaron a explorar lo que ahora llamamos el minimalismo. El más específico de definición de minimalismo se refiere la dominación de los procesos en la música donde los fragmentos se superponen en capas para cada uno de los otros, a menudo repetida, para producir la totalidad de la trama, sonora. Algunos de los primeros ejemplos incluyen En c de Terry Riley y aprovechamiento de Steve Reich. La onda minimalista compositores de Terry Riley, Philip Glass, Steve Reich, La Monte Young, John Adams y Michael Nyman, a nombre de los más importantes - yo quería hacer la música más accesible a los oyentes comunes, que expresan cuestiones específicas y concretas de forma dramática y musical, sin ocultarlos bajo la técnica, sino más bien hacerlas explícitas, convirtiendo a las tríadas mayores y menores de la música tonal, pero sin el uso de la funcionalidad de la armónica tradicional. Dentro de esta tendencia pone de relieve una segunda comúnmente llamado "minimalismo sacro", en la que se acentúan los rasgos espirituales, religiosos o místicos de la música. Los compositores más representativos de este son Henryk Górecki, Alan Hovhaness, John Tavener y Arvo Pärt, entre otros.

                                     

9.8. La música, la modernista y contemporáneo. La música de la película. (The music of the film)

Desde la llegada del cine sonoro a finales de la década de los años 1920, la música ha jugado un papel crucial en la industria y el arte del cine. Muchos de los grandes compositores que vivieron en ese primer período, tales como los rusos de sergei Prokofiev, y Shostakovic, incursionaron también en esta área. Posteriormente, hubo numerosos compositores que han dedicado su carrera, total o principalmente, para trabajar a través de la película. Dentro de los grandes compositores de la música de la película incluyen a Max Steiner, Erich Wolfgang Korngold, Bernard Herrmann, Ennio Morricone, John Williams, Howard Shore y Henry Mancini.

                                     

9.9. La música, la modernista y contemporáneo. Poliestilismo

Poliestilismo también llamado "eclecticismo" es el uso de múltiples estilos o técnicas de la música, y se considera una característica posmoderna comienza a finales del siglo XX y se acentúa en el siglo XXI.

Compositores poliestilísticos son, por ejemplo, Lera Auerbach, Luciano Berio, William Bolcom, Sofia Gubaidulina, Hans Werner Henze, George Rochberg, Arthur Rhodes, Magaly Ruiz, Frederic Rzewski, Alfred Schnittke, Dmitri Silnitsky, Valentin Silvestrov, Santiago Sosa Rolón, Ezequiel Viñao, Frank Zappa o John Zorn.

                                     

9.10. La música, la modernista y contemporáneo. Espectralismo

El espectralismo es un género musical originado en Francia en los años sesenta, sobre un grupo de compositores agrupados en torno a el Conjunto lItinéraire Gérard Grisey, Tristan Murail y Hughes Dufourt. La música espectral, en un sentido restrictivo, se basa principalmente en el descubrimiento de la naturaleza de timbre en la música y la descomposición espectral del sonido musical, en el origen de la percepción de timbre.

El movimiento se ha ido ensanchando y su influencia en las tendencias más importantes en la composición contemporánea y muchos de los compositores más jóvenes: Philippe Hurel, Philippe Leroux, Marc-André Dalbavie, Jean-Luc Hervé, Fabien Lévy o Thierry Blondeau, en Francia; Kaija Saariaho o Magnus Lindberg en Finlandia; George Benjamin o Julian Anderson en el Reino Unido, Marco Stroppa en Italia, de Georg Friedrich Haas, Austria, y Josué Fineberg, en EE. UU., para nombrar unos pocos. Y como en el caso del impresionismo y muchos otros estilos, los compositores cuya música se considera espectral no acepta generalmente tal denominación.

                                     

9.11. La música, la modernista y contemporáneo. Nueva simplicidad. (New simplicity)

La Nueva Simplicidad fue una tendencia estilística surgido entre algunos de los componentes de la más joven generación de compositores alemanes de comienzos de la década de los ochenta del siglo XX, y que fue una reacción no sólo en contra de la vanguardia musical europea de los años cincuenta y sesenta, pero también en contra de la tendencia más amplia hacia la objetividad de principios de siglo.

En general, estos compositores llamados para una inmediatez entre el impulso creativo y su resultado musical es en contraste con la elaboración de la planificación precompositiva característica de la avant-garde, con la intención de crear una más fácil comunicación con las audiencias. En algunos casos, esto significó un retorno la lengua de tono en el siglo XIX y en otros significaba trabajar con texturas más simple o el empleo de armonías triádica contextos no es tonal. Entre los compositores identificado más de cerca con este movimiento, sólo Wolfgang Rihm ha logrado una reputación importante fuera de Alemania.

                                     

9.12. La música, la modernista y contemporáneo. La improvisación libre. (Free improvisation)

La improvisación libre es música improvisada, sin previo reglas establecidas, las secuencias de acordes o melodías previamente acordado. A veces los músicos hacen un esfuerzo activo para evitar la referencia a los géneros musicales reconocibles. La improvisación libre, como un estilo de música, desarrollado en Europa y EE. UU. en los mediados y finales de la década de 1960 en respuesta a, o inspirado por el movimiento del free jazz y la música clásica contemporánea. Entre los artistas más conocidos dentro de este estilo son los saxofonistas Evan Parker y Peter Brötzmann, el guitarrista Derek Bailey, y el grupo de improvisacional británico AMM.

                                     

9.13. La música, la modernista y contemporáneo. Nueva Complejidad. (New Complexity)

La Nueva Complejidad es una corriente dentro de la configuración actual, que surgió en la década de 1980 en el reino unido que puede definir lo "complejo", ya que, "de múltiples capas de la interacción de los procesos evolutivos que ocurren simultáneamente en cada una de las dimensiones del material musical". Es muy abstracto, disonantes y atonal, que se caracteriza por el uso de técnicas que llevan al límite las posibilidades de la escritura de la música. Entre los compositores más importantes son Brian Ferneyhough, Michael Finnissy, Chris Dench, James Dillon, Roger Redgate y Richard Barrett.

                                     

10. La música Popular. (Popular music)

La música Popular, en su sentido más amplio, se refiere a una serie de géneros musicales que tienen un gran atractivo y distribuye generalmente a grandes audiencias a través de la industria de la música. Esto está en contraste con el arte de la música, como con la música tradicional, que normalmente son difundidos académicamente o por vía oral, a las audiencias locales, o más pequeño.

                                     

10.1. La música Popular. La historia. (The story)

Hasta finales del siglo XVIII, en Europa, las dos grandes corrientes musicales que había que conocemos como música clásica, de tradición escrita, y vinculado la aristocracia, y la música popular por entonces popular de la música, la tradición oral, y vinculado a una población, principalmente rural.

Esta dualidad de arte, que no hacía sino reflejar la clara división social y cultural para el público, comenzará a cambiar con el desarrollo de la Revolución Industrial. En países como el reino unido y Francia, el crecimiento de las ciudades, la burguesía y el florecimiento de una nueva clase media urbana interesados en la cultura, la promoción de la aparición de espectáculos músico-teatrales dirigidos a este público. Estos programas estarán representados en una base regular en lugares tales como las tabernas, los jardines y los salones de baile de Londres, o los teatros y café-concierto en París, y será el caldo de cultivo para la creación y difusión de las canciones y otras composiciones en las que se forma una nueva tendencia, la música popular urbana. Las primeras actuaciones de este tipo son la balada de la ópera y de la sala de música en el reino unido, la variedad teatro y vodevil, en Francia, y poco tiempo más tarde el espectáculo de canto en EE. UU. A estos se añaden en las décadas siguientes, los nuevos formatos de espectáculos de variedades, tales como el cabaret, la revista, el burlesque, etc

Junto a este desarrollo en el mundo del espectáculo también se produce un progresivo acercamiento de la música en las casas de la gente, basada, por un lado, la reducción de los instrumentos musicales, y en el otro en una disponibilidad cada vez mayor de partituras creadas para el consumo interno. Este nuevo mercado permitido a muchos compositores, que en épocas anteriores sólo podían trabajar bajo la orden de una institución religiosa o como empleados de un tribunal o de un importante mecenas, puede convertirse en profesionales liberales. Sus creaciones serán comercializados por la publicación de la música que, además de proteger los derechos de la composición. Ejemplos de estas creaciones se pueden encontrar en el lied alemán Schumann o la canzonette italiano de Donizetti, para voz y piano, en el que a menudo hay una estructura similar la de muchas canciones pop modernas. Un fenómeno similar se produce en EE. UU. con la industria de la música de Tin Pan Alley - con fuertes raíces en el folclore, anglo-americano.

Finalmente, en la segunda mitad del siglo XIX, también gana fuerza la luz de la ópera o zarzuela, primero en París, con figuras como la de Jacques Offenbach y popular cancán, a continuación, en Viena, donde surgieron los famosos valses de los Strauss y Londres. En España también se practica el género de la opereta, bajo el nombre de la zarzuela.

                                     

10.2. La música Popular. El siglo XX

Los estilos de la música popular occidental del siglo XIX, que se nutre tanto de fuentes que educar la gente, seguido de su desarrollo en el siglo XX, en paralelo la aparición de nuevas tendencias como el jazz o el rock.

Hasta la década de 1960, en el campo, vocal ha prevalecido, la canción popularizada por la variedad de espectáculos y los primeros días de la radio y el cine sonoro, mientras que la preservación de ciertos caracteres propios en cada país. Así fue con la tradicional pop americano creaciones de Cole Porter o George Gershwin, la canción francesa o de la "chanson", la canción italiana en la que destaca la canción napolitana, o la canción alemana representada por el Kabarett y el Schlager. También sucede en España con la canción española, cuyo género más representativo es el primer cuplé y después de la canción. América latina, por su parte, exporta géneros como el bolero o los ritmos de baile tan popular como el tango, la rumba o el mambo.

En la segunda mitad del siglo, espectáculos de variedades caer en grave declive, y aunque la canción seguirá gozando de gran popularidad hasta nuestros días, será cediendo terreno −especialmente entre los jóvenes− con el avance de la moderna música pop / rock, que recibirán una considerable influencia hasta confundirse con ella. El resultado es el género conocido como canción melódica. Nota, por último, la supervivencia en el siglo XX de un género mixto entre el teatro, la música y baile popular, con orígenes en el siglo XIX, conservará su fuerza hasta nuestros días: el musical. Con su epicentro creativo en Broadway de Nueva York y el West End de Londres, el musical llegó a realizarse también en otras capitales de europa, américa latina y asia, y ha tenido su reflejo también en el séptimo arte con adaptaciones o creaciones originales dentro de la película musical.

                                     

11. Jazz

Aunque en el período desde el final de la Guerra Civil hasta el final del siglo XIX, ya existían algunas bandas que tocaban algo cercano a un jazz rudimentaria, se considera generalmente ser Buddy Bolden como la primera gran figura y el iniciador de la primera define el estilo de jazz. Convencionalmente, se llama "estilo de Nueva Orleans" esta forma temprana de jazz. Todavía no se ha desprendido de las influencias de los juglares y contiene todas las características de la caliente.

El cierre, por parte de las autoridades de Nueva Orleans del barrio de storyville en 1917, fue un gran revés para la mayor parte de los músicos de jazz de la zona, como en este distrito de entretenimiento se concentran casi todos los locales de música en vivo. Las grandes bandas fueron las que marcaron el rumbo de un nuevo estilo.

Los músicos de bebop el foco puesto en el papel del solista, que ya no era el artista del pasado, sino un creador en el servicio sólo de su propia música.

El nacimiento del movimiento cool tuvo lugar hacia el final de la década de los cuarenta. El nuevo estilo se deriva directamente del bebop, pero era una música más cerebral, que tenía como principal objetivo el establecimiento de un clima de "tranquilidad" y "meditación".

La balanza de pagos evolucionado muy rápidamente durante la década de los años cincuenta, y algunos músicos han desarrollado formulaciones similares a las que ya se había dado en la música clásica en los años veinte, con la aparición, por ejemplo, de la atonalidad en el jazz de los años sesenta. Es generalmente aceptado por los críticos de que el free jazz toma carta de naturaleza en 1960, con la publicación del disco homónimo de Ornette Coleman y su doble cuarteto.

                                     

11.1. Jazz El pop y el rock. (The pop and the rock)

El Rock and roll nació en los años 50 como una música animada y de ritmo rápido que surgió principalmente de un matrimonio interracial entre el rhythm and blues y negro y el país de blancos. En la década de los años 60, las figuras dominantes de la roca, americano primitivo tuvo que ceder su importancia para el desarrollo de una nueva ola de grupos británicos que habían recibido la influencia del rock and roll. Existe lo que se conoce como la Invasión británica bandas que contribuiría significativamente la evolución del rock y el surgimiento de la nueva cara de la música popular en blanco: la música pop. Al mismo tiempo, hemos consolidado las nuevas tendencias entre los estadounidenses de color, tales como el soul y el funk. También se produce en los Estados unidos un renacimiento de la música popular, con la canción de protesta.

Los años 70 vieron el nacimiento de nuevos estilos, como el hard rock, una variante de la roca más dura, y las guitarras eléctricas distorsionadas, el reggae, de origen jamaicano, el rock progresivo, el punk, el rap, la música disco, que dominó la pista de baile, o los primeros pasos de la música electrónica en el ámbito de lo popular.

La incorporación de sonidos sintetizados y la popularidad del vídeo clip marcó la estética de la música pop de los años 80. En la década de los 90, el grunge y el rock alternativo compartir el escenario con el britpop en los gráficos, mientras que la escena de baile, ligado a las pistas de baile, que se desarrolla cada vez más diversa en el perl de los sub-géneros de la electrónica.

La música Popular viene y, finalmente, en el siglo xxi con un gran bagaje a sus espaldas, que se caracteriza por la multitud de géneros y estilos que han ido tomando forma década tras década, y la formación de un extenso y variado cuerpo de música apreciada por la gente de diferentes gustos, edades, ideologías y clases sociales a lo largo y ancho de todo el mundo.

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