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★ Película

Una película es una serie de imágenes fijas que, cuando se proyecta en una pantalla de forma consecutiva en rápida sucesión, crean la ilusión óptica de imágenes en movimiento. El término suele utilizarse como sinónimo de una obra cinematográfica, o una película.

El proceso de filmación. Una película puede ser creado por fotografiar escenas reales con una cámara de imágenes en movimiento, fotografiando a los dibujos o modelos en miniatura utilizando técnicas de animación tradicional, por medio de imágenes generadas por ordenador o de animación por computadora, o por una combinación de todas o algunas de estas técnicas y otros efectos visuales.

La película grabada originalmente en una película de plástico a través de un proceso fotoquímico y se muestra a continuación, a través de un proyector de películas en una pantalla grande. Películas contemporáneas ahora a menudo son completamente digital en todo el proceso de producción, distribución y exhibición. Las películas grabadas en la forma fotoquímica tradicionalmente incluido en la banda sonora óptica analógica.

Cada una de las imágenes que componen una película que se llaman marcos. En la proyección de películas de celuloide tradicional, un obturador giratorio causas intervalos de oscuridad entre cada fotograma, que a su vez, se coloca en posición para ser proyectadas. El espectador no se da cuenta de las interrupciones debido a un efecto conocido como persistencia de la visión, mediante el cual el ojo retiene una imagen visual de una fracción de segundo después de que desaparece de su fuente. La percepción del movimiento es debido a un efecto psicológico llamado fenómeno phi.

El nombre "de la película" se basa en el hecho de que la película fotográfica, también llamado de la película, el cine ha sido, históricamente, el medio para la grabación y la visualización de las imágenes en movimiento.

                                     

1. La historia. (The story)

La idea de capturar, crear y reproducir el movimiento por medios mecánicos es muy antiguo, hay precedentes, tales como la cámara oscura, o el taumatropo, la linterna mágica, el rifle de la foto. La técnica de captura de la realidad por medio de luces ya había sido desarrollado por los inventores del daguerrotipo y la fotografía, a mediados del siglo XIX.

                                     

1.1. La historia. Precinematografía

La película fue el producto de una lenta evolución experimental a través de los siglos. El objetivo de miles de personas, inventores, fabricantes de juguetes, o de comerciantes fue para entretener al mundo a través de imágenes, y era, además, de un impulso, una necesidad de la especie humana para expresarse a través de imágenes, utilizando las técnicas y posibilidades de cada momento. La base de la película es en el desarrollo de la ciencia y la tecnología, este incesante interés en la búsqueda de nuevos puntos de venta exigió la aplicación constante de la técnica y la investigación sobre nuevos descubrimientos.

Uno de los primeros avances científicos que llevó directamente al desarrollo del cine fueron las observaciones de Peter Mark Roget, que en 1824 publicó un importante trabajo científico con el título de la Persistencia de la visión. En lo que afecta a los objetos en movimiento, señaló que el ojo humano retiene las imágenes durante una fracción de segundo después de que el sujeto deja de tenerlas delante. Este descubrimiento estimuló un número de científicos para investigar para demostrar el principio de la persistencia de la imagen en la retina. Específicamente, se encontró que si 16 imágenes de un movimiento que se lleva a cabo en un segundo paso, en el segundo, la persistencia de la visión las une y hace que se vean como una sola imagen en movimiento. Esta teoría fue reemplazado más tarde por el fenómeno phi, y ambos formarán parte de la base de la teoría del cine.

Entre ambos nace la fotografía y en 1852, las fotografías comenzaron a reemplazar a los dibujos en los dispositivos para ver las imágenes animadas. En 1877, el fotógrafo Eadweard Muybridge utiliza una batería de 24 cámaras para grabar el ciclo de los movimientos de un caballo al galope. Posteriormente, el cronofotógrafo portátil, una especie de rifle de la foto, se trasladó una sola banda que permitía obtener doce imágenes en una placa giratoria de completar su revolución en un segundo.

En 1890, Thomas Edison construyó un laboratorio en Nueva Jersey, que se convirtió en el primer estudio de cine en el mundo. Su ayudante de William K. L. Dickson es considerado por algunos como el diseñador de la primera máquina de cine, el kinetoscopio, aunque no era estrictamente una máquina para la grabación de imágenes. Finalmente fue en Francia en 1895 cuando los hermanos Lumière llegaron al cine, el primer aparato que se puede calificar de auténtico cine.

                                     

1.2. La historia. Primeras películas. (First films)

Las primeras películas eran simplemente una pared de estática que mostró un evento o una acción sin edición o de las técnicas cinematográficas. Al final del siglo XX, el cine comenzó a agrupar varias escenas para contar una historia. Las escenas se divide posteriormente en varias tomas fotografiados desde diferentes ángulos y distancias. Otras técnicas, tales como el movimiento de la cámara se desarrollaron como eficaces maneras de contar una historia con una película.

Estas películas fueron un arte puramente visual, ya que la película no fue de sonido. Sin embargo, estas películas mudas, era costumbre el proyecto en los grandes teatros acompañada por música en vivo, que sirvió como un espectáculo de masas. En la década de 1920, la mayoría de las películas llegó con una lista de puntuaciones preparado para este propósito, y compuso las partituras completas para grandes producciones.

El aumento de cine europeo se vio interrumpida por el estallido de la Primera Guerra Mundial, mientras que la industria del cine en Estados unidos floreció con el aumento de Hollywood. En abril de 1927, en Nueva York, fue la primera proyección de cine comercial de sonido totalmente sincronizados, lo que resultó en el despegue de esta tecnología.



                                     

1.3. La historia. Contribución de color. (Contribution of color)

Otro desarrollo tecnológico fue la introducción de la película en color, que registró fotográficamente el color natural de las imágenes en lugar de agregarse a las grabaciones en blanco y negro y el uso de la mano de color, el color de plantillas u otros procedimientos arbitrarios. La innovación más importante fue la introducción de Technicolor, utilizado por primera vez por los dibujos animados en 1932, y más tarde en las películas de acción real.

                                     

2. El material. (The material)

Originalmente, las películas se graban en una cinta de celuloide, un material plástico recubierta con una emulsión de sales de plata que, en presencia de la luz, provoca una reacción fotoquímica. Esta tira de plástico, también llamado el "película", es lo que ha dado nombre la sucesión de imágenes que crean la ilusión óptica de imágenes en movimiento. Hoy, sin embargo, se imponen en los medios digitales, a pesar de que sigue siendo una película como el nombre de las grabaciones de imágenes en movimiento.

                                     

3. Evolución. (Evolution)

Desde su invención hasta el cine digital, siempre ha buscado la manera de mejorar las películas, ya sea la relación de aspecto, el tamaño o el costo de producción. De esta manera, de acuerdo a sus apariencias cronológicamente, los formatos que han aparecido se clasifican de la siguiente forma:

  • De película de 35 mm: Fue creado por George Eastman en 1889 para ser utilizado con el quinetoscopio de Thomas Edison y fue rápidamente estandarizado para uso profesional, que se mantiene actualmente. Al principio, el tamaño de la trama era de 24 mm x 18 mm, con 4 agujeros en la cinta de marco, y estaba destinado a ser jugado en 16 fps. Con la adición de sonido en la misma cinta, la estructura de espacio, tuvo que ser reducido a las 22.05 mm x 16.03 mm con una tira de 2.54 mm de ancho para el sonido. Con el sonido, el aumento de la velocidad de la película de 24 fps a mejorar la calidad de este. En la actualidad, junto con 4 perforaciones por fotograma, este es el sistema más comúnmente utilizado. En 1931, después de la llegada del cine sonoro, se llega a un acuerdo en la relación de aspecto de las películas. Este acuerdo, que se mantuvo más de 20 años, se ven obligados a utilizar películas de 21 mm x 15.3 mm por Debajo de estas medidas se grabaron películas como King Kong o Casablanca. También hemos tratado de introducir otros formatos de cinta, como 56 mm, 63 mm o 70 mm, pero los altos costos de los cambios en las salas de proyección, impidió la victoria de los nuevos formatos, excepto el 70 mm.
Dentro de la película de 35 mm, aparecieron diferentes variaciones con la intención de conseguir una imagen más panorámica:
  • Ultra Panavision 70, o MGM Cámara de 65 años: el interés de la Metro-Goldwyn-Mayer para encontrar nuevos formatos de filmación y proyección le hizo unirse con Panavision para crear este sistema, que consistía en que, a partir de las lentes de compresión de la imagen, para comprimir verticalmente la negativa de 65 mm en 25%. La primera proyección de este formato fue Ben-Hur, en 1959. Más tarde Panavision creado una versión mejorada: Super Panavision 70, sin lentes anamórficas. Películas como 2001: una Odisea en el espacio o Tron, que utilizan este formato. Las cintas podrían ser proyectadas en salas equipadas para Todd-AO.
  • Techniscope: También conocido como el "cinemascope de los pobres", nace como una respuesta de algunos de los cineastas utilizan el ancho de la pantalla que no tenían posibilidades económicas para hacerlo. Este formato reduce el negativo de 35 mm la mitad, reducir los costos al mismo tiempo que la calidad de la imagen.
  • Cinerama: El cinerama panorama cinematográfico constaba de tres de película de 35 mm que fueron tomadas simultáneamente con tres cámaras y exhibió con tres proyectores en una pantalla gigante de 146°. Este nuevo formato añadido 2 más fotogramas por segundo que el sistema estándar y tenía 6 agujeros en lugar de 4. Además, tenía un sistema de sonido envolvente muy buena. El alto costo, tanto de producción como de proyección, hacen que este sistema no pudo prosperar.
  • Cinemascope: El estudio de la Twentieth Century Fox, en 1953, se creó un sistema de lentes anamórficas para comprimir una imagen panorámica en el negativo de 35 mm, sin distorsión o pérdida. En el momento de la proyección de la cinta se usa lentes contrario para descomprimir la imagen, la obtención de una proyección de la anchura de la imagen más grande. A diferencia de cinerama, la detección de las habitaciones estaban muy interesados en la introducción de este formato.
  • Todd-AO: un Sistema creado por la American Optical, y Michael Todd y utilizado por primera vez en la década de 1930. He utilizado un negativo de 60 mm a 30 fps y 5 perforaciones laterales. El resultado fue una excelente calidad de imagen y definición, sin el uso de lentes para la compresión o descompresión. Las proyecciones fueron realizadas en una pantalla curva de 128°. Un problema de este sistema era que no podía ser proyectada en las habitaciones que no podía ser proyectada en 70 mm, debido la imposibilidad de reducir la cinta de 35 mm Por esta razón disparar con los dos formatos. En 1958, regulado los fotogramas por segundo en el estándar de 24 fps y la proyección en pantallas planas.
  • VistaVision: Publicado por Paramount en 1954. En este formato de la cinta se mueve horizontalmente en lugar de verticalmente. De esta manera, el espacio utilizado por el marco era el doble del tamaño normal, y, por lo tanto, tenía más calidad. Sin embargo, debido a los altos costos que implica el cambio, muchos teatros decidió no cambiar el sistema que ya se utiliza.
  • Technirama: Panavision y en Technicolor, creó el formato en 1957. Había una negativa horizontal 8-perf, 24 fps, con una compresión de 50%. Las copias de este formato tenía una alta calidad, al mismo tiempo que se ampliaron a 70 mm, y eran compatibles con el formato cinemascope.
  • La película de 16 mm: Gracias a Kodak, desde 1923, ya se había introducido la expresión "home movies", por lo que la compañía presentó este formato es el más económico, como una alternativa la película de 35 mm Con la llegada de la televisión, su uso se ha incrementado gracias la facilidad de transporte y los bajos costos, entre otros beneficios. Fue la BBC que trajo el formato para un uso profesional, mientras se trabaja con Kodak para hacer los informes de la televisión, dando soluciones a las producciones y portátil, proporcionando una gran calidad de imagen.
  • Super 8 mm: Con la intención de aumentar el tamaño de la trama y la calidad de imagen con respecto la anterior, fue lanzado por la Eastman en 1965. El cambio principal que tenía era la de cambiar el tamaño de la perforación y, por lo tanto, aumenta el espacio dedicado la estructura de casi el 50%. Por otro lado, era más fácil para cargar la cinta en la cámara. A partir de este formato, se estandarizó la película 40 ASA equilibrada para luz interior. Las perforaciones se encuentra sólo en un lado y el marco correspondiente por uno. El formato trabajó inicialmente en 18 fotogramas por segundo, hasta la adaptación a 24 fps.
  • La película de 8 mm: Lanzado por Eastman en 1932, de la película de 16 mm Estaba destinado a ser aún más accesible y asequible, el uso de la propia cinta de 16 mm, pero sólo la mitad. De esta manera, él estaba filmando por una parte, dio vuelta la cinta, y es registrada por los otros. Las cintas vienen en rollos de 7.5 m, por lo que el resultado final utilizable fue de 15 m. El tamaño de la trama fue de 4.37 mm x 3.28 mm.
  • Super 16 mm: Era una variación de la anterior. Utiliza una tira de perforaciones en un lado de la película, dando un extra de espacio en el marco, con una proporción de 1.67. Cámaras de Super 16 fueron el disparador para la película y el espejo es modificado por un marco más ancho. Desde que tomó la banda sonora de la película, estos pueden ser ampliados al formato de 35 mm para la proyección a través de la impresión óptica. Una variación del formato Super 16 fue el DIY de 16 años, de una cámara estándar de 16 mm.
  • Doble Super 8: También editado por Kodak, fueron las bobinas de 16 mm de ancho con las perforaciones laterales del tamaño de Super 8. Podría venir en el cartucho, para el uso en el ámbito doméstico y familiar, o de la bobina, para la grabación semi-profesional.
  • Super de 35 mm: También conocido como Techniscope. Fue creado en 1983 por John Alcott bajo el nombre de Superámbito 235. El formato no hizo uso de lentes anamórficas, y quita el espacio reservado para la pista de sonido. Se hizo muy popular durante la década de 1990 debido la adaptación del formato por parte de casas de alquiler de cámaras y laboratorios. Fue muy aceptado como un formato de producción, tanto del cine y de la televisión, el video y la publicidad.
  • Único de 8: Fabricado por Fuji Photo Film en 1965, fueron las películas que, en lugar de utilizar una bobina de 16 mm de ancho, de 8 mm Nació como un homólogo de la Doble-8. La principal diferencia con el Super 8 fue la manera de encartuchar la película: mientras que en el Super 8 trabajado a partir de dos bobinas situado al lado de la otra, en el Único 8 se colocan una encima de la otra. Este hecho permitió que el formato Único de 8 carga de la película con más facilidad, además de la posibilidad de rebobinar y una mayor nitidez en las imágenes.
  • La película de 9.5 mm: Fue ideado por Pathé en 1922 para la proyección de películas en casa, aunque dentro de poco ya se fabrica cámaras a utilizar para el rodaje. Fue el principal formato de la competición de 8 mm Como una diferencia, las perforaciones se encuentra en el centro, entre fotograma y fotograma, lo que permitió un tamaño considerablemente mayor que la de la trama. El ancho de 9.5 fue dado a partir de la división de la película tradicional de 35 mm en tres tiras.


                                     

4. Teoría del cine. (Theory of film)

La "teoría del cine" busca desarrollar conceptos concisa y sistemática, que se aplican para el estudio del cine como arte. El concepto de la película como una forma de arte comenzó en 1911 con el nacimiento de La sexta arte de Ricciotto Canudo. La teoría formalista, dirigido por Rudolf Arnheim, Béla Balázs, y Siegfried Kracauer, hizo hincapié en cómo la película difieren de la realidad y, por lo tanto, podría ser considerado como válido dentro de las bellas artes. André Bazin reaccionó en contra de esta teoría argumentando que la esencia del arte, el cine, radica en su capacidad para reproducir mecánicamente la realidad y no en sus diferencias de la realidad, y esto dio lugar la teoría realista. El análisis más reciente espoleaba el psicoanálisis de Jacques Lacan y la semiótica de Ferdinand de Saussure, quien entre otras cosas ha dado lugar la teoría del cine, el psicoanálisis, el cine de la teoría estructuralista de la teoría del cine feminista, y otros. Por otro lado, los críticos de la tradición de la filosofía analítica, influenciado por Wittgenstein, tratar de aclarar conceptos erróneos utilizados en los estudios teóricos y se realiza un análisis del vocabulario de una película y su relación con una forma de vida. Un ejemplo de la teoría analítica aplicada la película es la prueba de Bechdel, utilizado para evaluar el machismo en la película.

                                     

4.1. Teoría del cine. Idioma. (Language)

Se considera que el cine tiene su propio lenguaje. James de Monaco escribió un texto clásico en la teoría cinematográfica, titulada Cómo leer una película, que trata de este tema. Un ejemplo de este lenguaje es una secuencia de ida y vuelta de las imágenes de la izquierda perfil de un actor que habla, seguido por el perfil derecho de otro actor que habla, y una repetición de este, lo que es entendido por el público, como una conversación. Esto describe otra teoría del cine, la regla de los 180 grados, como un dispositivo de contar historias visualmente con la capacidad de colocar a un espectador en un contexto de ser psicológicamente presente a través de la utilización de la composición y la edición visual. El "estilo Hollywood" incluye esta teoría narrativa, debido la abrumadora la práctica de la regla en la parte de los estudios de cine ubicado en Hollywood, durante la época del cine clásico. Otro ejemplo de lenguaje cinematográfico es tener una toma de corriente que está en la cara de un actor con una expresión de reflexión en silencio, se pasa a una escena de un actor más joven que se parece vagamente la primer actor, lo que indica que la primera persona está recordando su pasado, un problema de composiciones que causa una transición temporal.

                                     

4.2. Teoría del cine. Montaje. (Mounting)

El montaje es la técnica por la cual se seleccionan, editar y, a continuación, poner juntos los pedazos separados de la película la forma el final de la película. Una escena que podría mostrar a un hombre entrar en una batalla, regresa a su juventud y su vida familiar con efectos especiales adicionales colocados en la película después de que la grabación se ha completado. Como todas estas escenas fueron filmadas por separado y tal vez con los diferentes actores, la versión final se requiere la instalación. Directores desarrolló una teoría del montaje, comenzando con Sergéi Eisenstein y la compleja yuxtaposición de imágenes, en su película el acorazado Potemkin. La incorporación del contrapunto musical y visual, el desarrollo de la escena a través de la puesta en escena y la edición, y los efectos visuales, han llevado a técnicas más complejas comparables a los utilizados en la ópera y el ballet.

                                     

5. La industria. (The industry)

La realización y proyección de imágenes en movimiento se convirtió en una fuente de beneficio casi tan pronto como se inventó el proceso. Al ver el éxito de su nuevo invento y su producto en su país natal, Francia, los hermanos Lumière, rápidamente comenzó a recorrer el continente para la exhibición de las primeras películas de forma privada la realeza y públicamente a las masas. En cada país, generalmente complementado por las escenas locales nuevos en su catálogo y, muy pronto, se encontró que los empresarios locales en los diferentes países de Europa para comprar su equipo y de la fotografía, la exportación, la importación, y seleccionar productos adicionales comercialmente. Pronto seguido por otras imágenes, y las imágenes en movimiento se convirtió en una industria independiente, que eclipsó el mundo del vodevil. Cines y empresas formado específicamente para producir y distribuir películas, mientras que los actores de la película se convirtió en celebridades y obtuvo enormes honorarios por sus actuaciones. Para 1917, charlie Chaplin tenía un contrato que requiere un salario anual de un millón de dólares. Hasta que, en 1956, la película también fue el único sistema de almacenamiento y reproducción de imágenes para la programación de la televisión hasta la introducción de las grabadoras de vídeo.



                                     
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